ANEMENTUS

 

    

Por Gonzalo Vilo

 

    Poco sabemos de los proyectos artísticos y culturales que nacen en la ciudad de Vicuña. Basta con revisar los medios regionales “importantes” para notar la ausencia casi total de reseñas o coberturas dedicadas a artistas locales, ya sea en pintura, literatura o música. El centralismo crónico del país también se reproduce a escala regional: las grandes ciudades acaparan focos, vitrinas y micrófonos, mientras las localidades más alejadas quedan relegadas al margen.

En ese contexto, el mérito de Anementus es doble. Originarios de la comuna de Vicuña, en pleno Valle del Elqui, la banda ha sabido levantar un proyecto musical sólido y coherente, avanzando a contrapelo de la invisibilización territorial. Su propuesta transita por sonidos atmosféricos y potentes, envueltos en lo que ellos mismos definen como “poesía sonora”: una búsqueda sensorial que apuesta más por la experiencia que por la fórmula.

Amanecer y Sin Respirar funcionan como piezas clave para entender el universo de Anementus. Sin Respirar (2022) fue uno de sus primeros golpes importantes y marcó su irrupción en las plataformas digitales. El tema se sostiene sobre una base rítmica firme y guitarras cargadas de textura, pensadas para construir esa sensación de atmósfera que hoy identifica al proyecto. En lo lírico, la banda se sumerge en estados emocionales intensos, introspectivos, reforzando su idea de música como vehículo expresivo más que como simple canción.

Amanecer (2024), en tanto, muestra una evolución clara: una producción más madura, más pulida y ambiciosa. Aquí Anementus profundiza en el trabajo de capas sonoras, logrando una propuesta más envolvente y cinematográfica. No es casual que este single se haya convertido en un eje central de sus presentaciones en vivo recientes, destacando su paso por el Festival Afluente y por las Sesiones Sónicas en la Casa de la Cultura de Vicuña.

Como dato no menor, la banda ha sabido instalarse en espacios culturales clave del circuito local, con presentaciones en el Festival Afluente, el Teatro Municipal de Vicuña y el ciclo Sesiones Sónicas de la Corporación Cultural Municipal. Señales claras de que, incluso lejos del centro, el ruido también se organiza, respira y avanza.

En tiempos donde la escena parece mirar siempre hacia los mismos lugares, proyectos como Anementus recuerdan que la música también se gesta lejos del centro, en silencio, con paciencia y convicción. Desde Vicuña, la banda no solo construye canciones, sino también un relato propio, anclado en el territorio y en la exploración emocional. Escucharlos es, en cierto modo, correr el cerco: prestar oído a lo que sucede en los márgenes y entender que ahí, muchas veces, está pasando lo más honesto e interesante de la escena local.

 

 

 

 

 MARCEL DUCHAMP 

EN VIVO EN CAJACUSTICA

 

 
 

     Después de seis años de silencio escénico, Marcel Duchamp vuelve a aparecer como esas bandas que nunca se van del todo, que solo se repliegan para cargar ruido y sentido. No hay épica de comeback ni promesas de continuidad: hay una fecha única, casi un gesto político en sí mismo. El sábado 7 de febrero, la banda irrumpe nuevamente en vivo en Matucana 100, reafirmando que su lugar sigue estando en la fricción, en el encuentro directo y sin maquillaje con quienes aún creen en el rock como herramienta de incomodidad.

 

 

El hito no es solo el reencuentro, sino también el lanzamiento de un disco registrado en 2018 en Espacio 56, capturando una de las últimas tocatas antes de su repliegue. El material —editado en CD— no busca pulcritud ni nostalgia: es documento crudo, testimonio de una banda en estado de tensión permanente. Ahí está Marcel Duchamp en su forma más honesta, con canciones que suenan a urgencia, a rabia bien pensada, a punk y hardcore que no necesita reinventarse porque nunca dejó de ser necesario. Un disco que suma peso a una discografía clave de la contracultura local.

 

   

  

Formados a comienzos de los 2000, Joaquín Contreras, Francisco Morales, Jaime Valderrama y Eduardo Rivera han construido un camino marcado por la autogestión, la experimentación y una postura crítica frente al poder y la violencia estructural. Marcel Duchamp siempre ha habitado ese espacio incómodo entre el ruido y la reflexión, donde la distorsión no es pose sino lenguaje. Su música no busca agradar: interpela, aprieta y obliga a escuchar con el cuerpo entero.

 

 

 

 

La tocata en la explanada de Matucana 100 —producida por Cajacústica— se perfila como una jornada de comunión underground, acompañada por bandas amigas como Espíritu de Lucha, Puentes del Maule, Maldita Ansiedad, Los Krapulitos y La Olas. Desde las 17:00 horas, el espacio se convertirá en un punto de encuentro para viejas y nuevas generaciones que entienden el rock como acto colectivo. No es una gira, no es un retorno permanente: es una fecha irrepetible, y como todo lo realmente importante en esta escena, pasa una sola vez.

 

 

 ALEJANDRA  MUSALEM

 

    

 

     Alejandra Musalem se mueve en un territorio donde la pintura no es solo imagen, sino rito. Nacida en Santiago en 1966, su recorrido vital —desde la odontología hasta la entrega total al oficio pictórico— no es un dato anecdótico, sino una clave de lectura: hay en su obra una obsesión por lo interno, por lo que late bajo la superficie, como si cada tela fuese una radiografía emocional. El óleo, noble y lento, es su aliado principal, un medio que le permite insistir, volver, profundizar, sin apuro ni concesiones.

 

   

 

Su imaginario se construye desde una figuración narrativa cargada de símbolos, donde lo femenino y la infancia aparecen como zonas de tensión psíquica más que como identidades fijas. Las figuras no buscan el realismo, sino activar algo incómodo y familiar a la vez: arquetipos que emergen desde el inconsciente y que dialogan directamente con la psicología jungiana, disciplina que Musalem incorporó de manera consciente a su proceso creativo.

 

     

 

 Aquí la pintura funciona como herramienta de indagación simbólica: un espacio donde los sueños, los miedos y las pulsiones toman forma visible. Cada escena parece suspendida en un tiempo impreciso, como si ocurriera en un umbral entre lo consciente y lo inconsciente. La infancia, lejos de toda nostalgia, se presenta como un territorio inquietante, atravesado por ambigüedades y silencios. Lo femenino, por su parte, se despliega como fuerza arquetípica, múltiple y contradictoria, ajena a estereotipos y más cercana a una energía ancestral que a una identidad cerrada.  

 

   

 

 En ese sentido, la obra de Musalem no propone respuestas, sino preguntas que persisten. Sus pinturas invitan a una contemplación lenta, casi meditativa, donde el espectador se ve implicado emocionalmente, empujado a reconocer algo propio en aquello que observa. Hay una dimensión ritual en su práctica: pintar como acto de transformación, como proceso de conocimiento interior. Así, cada tela se vuelve un campo simbólico activo, un espejo oscuro y fértil donde la subjetividad se expande y la pintura recupera su poder primitivo de revelación.

 

 

Mas del trabajo de la artista en 

 

 https://alejandramusalem.format.com/

MALA  POSTURA

MP   (EP 2025) 

 

     

 Por  Gonzalo Vilo

     Una grata sorpresa ha significado el debut de la banda nacional Mala Postura. Durante el año recién pasado liberaron MP su primer trabajo discográfico, un EP que desde sus primeros segundos deja en claro su intención: emocionar, conectar y decir las cosas de frente. Con una carga nostálgica y melancólica bien marcada, el disco se instala rápidamente como una carta de presentación honesta y efectiva dentro del emo-pop chileno.

Desde 2024 la banda ya venía dando que hablar gracias a algunos singles que circularon en la escena local, pero fue en 2025 cuando lograron consolidar su propuesta de manera más formal con la grabación de este EP, el cual incluso ya se encuentra disponible en formato CD. Un detalle no menor en tiempos dominados por lo digital, y que habla del compromiso del grupo con su proyecto.

En poco menos de 19 minutos, Mala Postura demuestra con creces por qué su nombre comenzó a resonar fuerte. Son cinco canciones sólidas, directas y bien trabajadas, donde el sonido se mueve con naturalidad entre melodías pegadizas, pasajes más íntimos y momentos de mayor intensidad vocal. Desde Mala Postura, tema homónimo que abre el EP, hasta Quemarte en vida, el disco fluye con personalidad y coherencia, sin rellenos ni excesos.

Las influencias del emo, el pop-punk y el rock alternativo están presentes, pero nunca se sienten forzadas. Al contrario, la banda logra resignificarlas y darles un sello propio, apostando por un sonido melódico, emocional y versátil, alternando voces cantadas y gritadas con soltura. Las letras, de carácter confesional, hablan de vivencias reales y sentimientos reconocibles, lo que genera una conexión inmediata con una audiencia joven que se ve reflejada en lo que la banda canta.

Mala Postura no solo canta lo que siente, sino que lo transmite con sinceridad. Esa honestidad es, probablemente, uno de los mayores aciertos de MP. Es un trabajo que se siente auténtico, sin poses ni artificios, y que encuentra su complemento perfecto en las presentaciones en vivo, donde la banda despliega una energía intensa y deja en claro su potencial sobre el escenario.

En definitiva, MP es un debut sólido, potente y emocional, que sorprende por su madurez y nivel musical. Un EP que resignifica las siglas “MP” dentro de la escena local y posiciona a Mala Postura como una banda prometedora del emo-pop chileno. Quedamos atentos a lo que venga, porque si este es el punto de partida, el próximo paso promete ser aún más grande. 

 

 

 

 

 CARLOS   DAMACIO   GOMEZ

 

 

 

    La trayectoria de Carlos Damacio Gómez se articula como un derrotero persistente entre territorio, imagen y memoria, donde el grabado deja de ser una disciplina para convertirse en una forma de pensamiento. Desde sus primeros trabajos a comienzos de los 2000 hasta sus investigaciones más recientes, su obra ha insistido en tensionar los relatos oficiales que construyen identidad, exploración y progreso, especialmente en relación con el sur de Chile y la Patagonia. Nacido en Coyhaique y formado académicamente en la Universidad de Chile, Gómez ha desarrollado una práctica situada que cruza oficio, investigación histórica y una mirada crítica sobre los mecanismos de representación heredados de la colonia.

    

 

A lo largo de más de dos décadas, su producción se ha desplegado en series que dialogan con el mito, el archivo y la ficción, utilizando el grabado calcográfico como herramienta central, pero no exclusiva. Proyectos como Primera Fundacional, Australis Orbis Ignota y Derrotero Australis revelan una preocupación constante por la cartografía, las ciudades imaginadas y los dispositivos visuales que han servido para nombrar, ocupar y administrar el territorio. En sus imágenes, mapas y crónicas no funcionan como documentos neutrales, sino como superficies cargadas de ideología, donde la línea grabada opera como gesto político y poético a la vez.   

 

   

 

Paralela a su producción artística, la labor docente y académica de Gómez ha sido un eje estructural de su práctica. Su paso sostenido por la Universidad de Chile y otras instituciones, así como su rol formativo en grabado, dibujo y apreciación del arte, configuran una ética de trabajo que entiende el arte como transmisión y comunidad. Esta dimensión pedagógica no aparece escindida de su obra, sino que la nutre: investigación, docencia y creación funcionan como un mismo cuerpo en movimiento, atravesado por preguntas sobre el rol del artista, el oficio y la responsabilidad histórica de la imagen.  

 

     

 

Desde una escena que muchas veces privilegia la inmediatez, el trabajo de Carlos Damacio Gómez se sostiene en la insistencia, la investigación a largo plazo y el compromiso con el territorio. Su obra no busca cerrar sentidos ni ofrecer narrativas épicas, sino abrir fisuras en los relatos heredados, dejando al descubierto sus omisiones y contradicciones. En ese gesto, su trayectoria se vuelve ejemplar dentro del arte contemporáneo chileno: una práctica que entiende el grabado como resistencia material, la imagen como archivo crítico y el sur como un espacio simbólico aún en disputa.

 

 Puedes encontrar mas del trabajo del artista en su pagina.

 https://www.carlosdamacio.com/

 

 

 FRAGMENTAR EL MUNDO (2026)

MANUAL DE COMBATE

 

 

Por Gonzalo Vilo

 

     Liberado a comienzos de este 2026, más precisamente el 7 de enero, Fragmentar el mundo es el más reciente trabajo de Manual de Combate, banda underground santiaguina que desde 2016 viene construyendo un camino propio dentro de las escenas punk-noise y experimental. Diez años después de su primer EP Asociación por el retraso del tiempo, el proyecto no solo sigue en pie, sino que reafirma una postura clara: hacer música desde la autogestión, la reflexión cotidiana y una ética HTM/DIY que se vive más como práctica que como consigna.

 

 

Durante todo el 2025 la banda atravesó un proceso profundo de cambios, tanto en su formación como en la manera de abordar la composición. El resultado es este EP de cuatro canciones que funciona como punto de inflexión y, al mismo tiempo, como retorno. Fragmentar el mundo marca el paso a un formato dúo —un verdadero “back to the roots”— que recupera la crudeza y el golpe directo de sus inicios, pero ahora atravesado por la experiencia, la conciencia y el aprendizaje acumulado tras años de tocar, organizar, grabar y resistir desde los márgenes.

 

 

 

 

 

En lo sonoro, Manual de Combate sigue sin transar. Punk, noise y post-hardcore se cruzan con una exploración instrumental poco habitual dentro del circuito, incorporando saxos, flauta traversa, sintetizadores, bajo y batería como herramientas de tensión y ruptura. Temas como El mañana queda anulado, Fragmentar el mundo o Ningún desierto desistirá a su fecundidad avanzan como manifiestos sonoros, construidos desde la improvisación y el error, empujando al oyente a un espacio incómodo, intenso y profundamente honesto.

 

 

 

 

Pero Fragmentar el mundo no es solo un ejercicio musical: es también una declaración política y existencial. Las letras y atmósferas del EP dialogan con la fragmentación de la vida contemporánea, cuestionando la descomposición de un mundo global capitalista y proponiendo, desde lo pequeño y lo cotidiano, nuevas formas de existencia. Escuchar este trabajo es sentirse dentro de una marcha, gritando consignas propias frente a una sociedad cada vez más sorda, indiferente y anestesiada.

 

 

 

 

Manual de Combate entiende la música como un proceso colectivo y vivo: tocar en vivo, organizar conciertos, colaborar con espacios, editar material, viajar y generar comunidad. No hay dogmas ni estructuras vacías, solo aprendizaje empírico, improvisación y voluntad de hacer las cosas a su manera y a su propio ritmo. Fragmentar el mundo es, en ese sentido, una guía de instrucciones no escrita: una invitación a romper, recomponer y seguir avanzando desde el ruido, la amistad y la autogestión.

 

 

Manual de combate es manual de supervivencia, manual de antagonismo.
manualdecombate@riseup.net
manualdecombate.bandcamp.com/album/fragmentar-el-mundo

Grabación realizada durante Noviembre 2025 por José Tomás Molina en @estudiolerock, siendo mezclado durante Noviembre y Diciembre 2025 también por José Tomás Molina, Santiago de Chile, masterización durante Diciembre 2025 por Milo Gomberoff en @estudiohukot.

Manual de Combate en esta grabación es:
• Diego Navarro: batería y voz.
• Gaspar Ibáñez: bajo y voz.

Invitados y colaboraciones:
Mateo Valenzuela: arreglos guitarra y voz.
Rodrigo Maturana: clarinete bajo.

Arte de portada, single e interiores realizado por Raúl Manriquez.

*Referencias, textos y adaptaciones
- Fragmentar el mundo - Josep Rafanell i Orra.
- Comité Invisible, "Ahora" - (2017).
- Abolir la depredación, volver a ser humano, Raoul Vaneigem. 

 

 

 Kasa de Orates - Daath (2025) 

 

 

       Kasa de Orates ha llegado con nuevo trabajo. Con Daath, Manuel Knwell cierra una trilogía que empezó en 2022 y que nunca buscó hits ni algoritmos, sino grietas. Lost, The Golden Hour y ahora Daath funcionan como estaciones de una misma deriva: la de una humanidad extraviada, desconectada de la tierra, fascinada consigo misma y atrapada en el espejismo del Homo Deus. Esto no es escapismo electrónico: es un espejo oscuro, puesto a volumen justo para que duela.

Daath suena como un limbo consciente. Lejos del EDM hipertrofiado y del pulso plástico de la electrónica contemporánea, el disco se mueve en una zona más lenta y orgánica: dub, industrial primitivo, trip hop, techno de respiración larga y guiños al jazz y a lo ancestral. Todo late con una lógica casi biológica, como si los tracks obedecieran al ritmo del corazón antes que al metrónomo. Hay algo medicinal en estas capas sonoras: un antídoto contra la ansiedad, el ruido constante y ese aburrimiento existencial que se disfraza de progreso.

Uno de los gestos más radicales de Daath es su espíritu colectivo. Knwell se corre del pedestal autoral y arma una constelación de músicos y proyectos —Ana Barajas, Patrick Masson, Trond Engum, Re-arbeiten, Sergio Peralta, entre varios otros— que expanden el disco hacia múltiples direcciones sin romper su eje conceptual. Voces, saxos, guitarras y texturas se cruzan sin competir, como si el álbum mismo rechazara el hiperindividualismo que critica. Aquí nadie brilla solo: todos empujan el ritual.

Ese ritual se refuerza desde el trabajo acústico y frecuencial: Daath fue pensado como una experiencia que va más allá de la composición, usando frecuencias subsónicas y armónicos que buscan sacudir cuerpo, tierra y algo más arriba. No es un disco para poner de fondo: es para entrar, quedarse y salir distinto. En tiempos de playlists desechables, Kasa de Orates entrega una obra que incomoda, abraza y resiste. Underground en el sentido más honesto de la palabra.

 

 
Artwork: A. Vásquez Salamanca
Página web: cracion11a.wixsite.com/-11-a
Instagram: www.instagram.com/_._.11a._._/
Correo electrónico: creacion11a@gmail.com
Diseño de logotipo: Manuel Knwell, edición por Gonzalo De Lara Yañez
Contacto: manuelknwell@gmail.com - Instagram: @kasadeorates


Links:


https://www.youtube.com/watch?v=dfG4Rqxn2uc


https://kasadeorates.bandcamp.com/album/daath


https://tidal.com/album/433710395/u


https://open.spotify.com/intl-es/album/50p8JamOp1G2Za4xglWAXT?si=BWrsKrmETFu8c139lDtwQg

 

QUEMAR - HUNDIRSE - PROFANAR - REFRACTAR

 

GANGRENA  SURF  (2014) 

 

 

     Cuando Quemar – Hundirse – Profanar – Refractar apareció un 7 de noviembre de 2014, Gangrena Surf ya venía operando como una anomalía dentro del surf rock chileno, pero este disco terminó por sellar su condición de banda de culto. Hoy, más de una década después y con el regreso del grupo en 2025 mediante Codex GS, el álbum se escucha como un clásico endurecido por el tiempo: un registro que no envejece porque nunca intentó ser amable. Aquí el surf no mira al mar, sino al cemento agrietado de Santiago, consolidando a la banda como un referente ineludible del underground local.

 

 

 El título funciona como manifiesto y método: cuatro verbos que remiten más a un ritual químico o a una ceremonia blasfema que a una postal playera. Gangrena Surf quema las convenciones del género, se hunde en un punk tenebroso, profana el imaginario clásico del surf instrumental y refracta todo en una masa de distorsión, noise y pulsión primitiva. Grabado, mezclado y masterizado por Felipe Ruz, el disco suena cavernoso, cargado de interferencias, diálogos ininteligibles y risas espectrales, como si cada tema fuera un fragmento de una película de terror filmada en VHS.

 

Las canciones operan como estaciones de ese descenso. “El Brujo” abre el disco declarando principios: surf punk oscuro, directo al hueso. “Del tercer mundo al tercer universo” clava un riff que suena a alarma industrial, evocando ciencia ficción barata y paranoia urbana. “Rey de ratas” es probablemente uno de los momentos más inquietantes del álbum, con sonidos de roedores que convierten la mugre en textura sonora. Y “Poseídos por el surf” funciona como ironía central: mantiene el pulso bailable del género, pero lo ejecuta con una violencia que parece escupir vértebras sobre la pista.

 

 

 

Editado por Cisterna Bizarra Records junto a Buena Basura, y con una identidad visual reforzada por la fotografía de Claudia Herrera, Quemar – Hundirse – Profanar – Refractar se mantiene como una cima de lo maniaco dentro del rock instrumental chileno. Trece tracks que demuestran que se puede surfear sin agua, sobre el horror cotidiano, lejos de cualquier estándar comercial. No es solo un disco clave en la discografía de Gangrena Surf: es una pieza fundamental para entender cómo el underground chileno aprendió a convertir la suciedad, el ruido y la paranoia en legado.