RAINGLOW

IRREVERSIBLE / AUTOFAGIA  (DOBLE SINGLE 2026)

 

Por  Gonzalo Vilo

     Después de la buena recepción que tuvo su EP debut a principios de 2025, los muchachos de Rainglow no han tenido descanso. Además de las tocatas y presentaciones realizadas hasta ahora, la banda ha encontrado tiempo para seguir trabajando y grabando nuevo material. Así fue como, a comienzos de este mes, lanzaron Irreversible / Autofagia, un doble sencillo que ya está disponible en todas las plataformas digitales.

En su primer EP, Rainglow destacó por un estilo crudo y potente, muy cercano al post-hardcore. En cada uno de sus temas se aprecia cómo el caos, la introspección y las transiciones agresivas se fusionan de manera natural, abriendo un campo narrativo hacia un mensaje más conceptual. Todo eso se reafirma en Irreversible / Autofagia, dos nuevos singles que apuntan a una continuación coherente del sonido de la banda, aunque este último lanzamiento también marca una evolución en sus letras y en el enfoque de sus temáticas.

Masterizado y producido por @m4.teo, este doble single consigue capturar la crudeza y la potencia necesarias para transmitir su propuesta sin filtros. El resultado es un trabajo honesto, áspero y diferente, con canciones que buscan remover sensaciones desde las entrañas. El viaje arranca sin frenos con “Irreversible”, un corte que arrastra al oyente por texturas grises y riffs que cortan como gillette oxidada, pero el verdadero golpe de gracia llega con “Autofagia”. El concepto biológico de una célula devorándose a sí misma para sobrevivir se transforma aquí en una metáfora perfecta de nuestra propia escena contracultural: destruirnos para mutar, romper el molde para no morir de asco.

El arte de portada de @acidbrujo corona la experiencia visual y sonora, encapsulando a la perfección esa estética bizarra y underground que te vuela la cabeza incluso antes de darle play.

Este lanzamiento, vomitado a las plataformas digitales en el arranque de 2026, busca morderte las entrañas y obligarte a mirar el caos de frente.

 

CARTAS A  MIS PADRES MUERTOS

PELICULA DE IGNACIO AGUERO

 

 

Por  Mati LO-FI

 

       Cartas a mis padres muertos de Ignacio Agüero, parte de una idea que podría sonar solemne —hablarles a sus padres fallecidos— pero rápidamente la película se escapa de cualquier gesto grandilocuente. Lo que aparece en pantalla es más bien una deriva: recuerdos incompletos, imágenes encontradas, asociaciones inesperadas y momentos en que la memoria parece trabajar por cuenta propia. La sensación es menos la de asistir a un documental que la de entrar al cuaderno personal de alguien que lleva años pensando en las mismas preguntas sin terminar de responderlas.

Lo más interesante es que Agüero no intenta ordenar el pasado ni convertirlo en una historia ejemplar. La película avanza con la lógica caprichosa de una conversación larga, donde una fotografía lleva a otra, un recuerdo abre una digresión y un detalle doméstico termina conectándose con medio siglo de historia chilena. Ahí está parte de su fuerza: en lugar de explicarlo todo, deja espacio para la duda, el olvido y las zonas borrosas. Incluso cuando aparecen acontecimientos históricos reconocibles, estos nunca se imponen sobre la experiencia íntima que articula la película.
 

Cartas a mis padres muertos se siente extrañamente libre. No porque ignore la historia, sino porque se relaciona con ella desde la fragilidad de la memoria y no desde la autoridad del relato definitivo. Es una película hecha de desvíos, de pequeños hallazgos y de imágenes que permanecen resonando más tiempo del esperado. Como varias de las mejores obras de Agüero, termina siendo menos una respuesta que una compañía.

 

 

 

ENTREVISTA  CAMINO A CENTRAL

 

      

       Camino a Central es una bofetada de cables, óxido y memoria que desentierra la herencia obrera de Arica para transformarla en vanguardia pura. Lejos del centralismo de la capital, el Colectivo Amuki esquiva el algoritmo bailable y se sumerge en las ruinas de la ex-Maestranza Central del Ferrocarril Arica-La Paz. No es música de fondo para mañanas flojas; es arqueología industrial hecha sonido, donde las texturas de la electrónica experimental chocan de frente con la rigidez de la música clásica-docta. Un artefacto sonoro áspero y fronterizo que dota de cuerpo y volumen al silencio del desierto.

 
El viaje conceptual que propone el álbum no se queda en la postal turística ni en la nostalgia barata del tren que ya no pasa. La genialidad del registro radica en su capacidad de trazar una cartografía física y emocional: el recorrido arranca húmedo en la costa del río Lluta, avanza entre el crujido metálico de las máquinas muertas y trepa sin piedad hasta el kilómetro 70 de la precordillera. En medio de esa densidad maquinal y atmosférica, la voz de la soprano Alejandra Araya opera como un faro espectral, una presencia humana que flota sobre las capas sintéticas y los paisajes sonoros grabados en terreno.

 
Este trabajo se consolida como un hito imprescindible para entender el nuevo underground del extremo norte chileno, ese que no necesita pedirle permiso a Santiago para sonar universal. Camino a Central es un disco físico, político y geográfico que exige audífonos y atención completa para procesar sus dinámicas de tensión y calma. Es la demostración de que la vanguardia nacional hoy se teje en las regiones, rescatando los escombros de la historia para construir con ellos el sonido del mañana.

 

 

Aqui nuestra entrevista con la banda. 

 

 

 CHOOSE  LIFE

 SANTIAGO-ANDER EDITORIAL  2026

 

    

 

     Choose Life apareció entre las mesas de la última edición de La Furia del Libro como esos hallazgos que uno no iba buscando, pero termina llevándose bajo el brazo. La nueva plaquette de Santiago-Ander Editorial reúne siete ensayos en torno a Trainspotting, aunque reducirla a un libro sobre una película sería perder de vista lo que ocurre en sus páginas. 

 

 la publicación aborda Trainspotting desde distintas perspectivas, poniendo atención en temas como el cine, la juventud, el exceso, la música y la rabia que atraviesan la obra. Lejos de plantearse como un estudio único o cerrado, el libro reúne distintas aproximaciones a un fenómeno que continúa generando lecturas y discusiones. La elección de Trainspotting como punto de partida permite volver sobre una obra que excedió los límites de la pantalla para convertirse en una referencia cultural reconocible mucho más allá de su momento de estreno.

Como primera entrega de esta nueva colección, Choose Life propone un acercamiento breve y accesible a un universo que sigue despertando interés entre lectores, cinéfilos y observadores de la cultura contemporánea. La plaquette aparece así como una invitación a revisitar una obra clave de los noventa a través de la mirada de sus ensayistas, abriendo una conversación sobre su permanencia e influencia en el presente.

 

 HESSE  KASSEL

LA BREA 

 

 

Por Mati  LO-FI

     

     Un disco para musicalizar el colapso. Asi podriamos definir La Brea el debut de Hesse Kassel. Un trabajo que se siente exactamente como ese desastre hermoso del que no puedes apartar la mirada. Esta no es musica complaciente, no se compuso buscando sintonía radial; son casi ochenta minutos de un art rock denso, monolítico y profundamente asfixiante que brota desde los márgenes de Santiago. A través de ocho cortes monumentales, la banda chilena teje una telaraña de guitarras angulares y dinámicas de post-rock criminal, donde la calma tensa de canciones como "Postparto" o "En Tiempo Muerto" estalla, sin previo aviso, en muros de distorsión indómita que recuerdan el pulso más visceral de mitos como Slint o Swans.

Lo verdaderamente revolucionario de esta entrega radica en su crudeza lírica y su puesta en escena sonora, un mérito que ya les valió el reconocimiento al Mejor Show en Vivo en los pasados Premios Índigo. Lejos de las metáforas gastadas del rock nacional, el grupo utiliza el spoken word y el minimalismo rítmico para construir postales de una cotidianidad gris y alienante. El disco funciona como un ritual de resistencia; es el sonido de una juventud atrapada en el asfalto que encuentra su catarsis en la repetición hipnótica de "Moussa" o en los desvaríos ruidistas de la implacable "Yo La Tengo", demostrando un nivel de madurez compositiva inédito para un debut en nuestra escena subterránea.

Que un artefacto tan complejo y autogestionado haya roto el cerco local para colarse en los radares internacionales —llegando incluso a las listas de lo mejor del año en medios gringos como Consequence— es un tapabocas para quienes insisten en que el rock en Chile está muerto. La Brea es un monumento a la persistencia independiente, un viaje áspero que te deja con los oídos zumbando y el pecho apretado. Si todavía te queda algo de fe en el poder transformador del ruido y la vanguardia criolla, corre a buscar una de sus copias en vinilo o déjate arrastrar por su marea negra en Bandcamp; estamos ante el nacimiento de un clásico de culto inmediato.

 

 

 

 

 ANDRES  LARRAIN  ARANEDA

     

 Por MATI - LOFI

      

         Nacido en Ovalle en 1985, Andrés Larraín Araneda pertenece a una generación de fotógrafos chilenos que encontró en el fotolibro y el ensayo visual un espacio más libre para pensar la imagen desde la experiencia personal antes que desde el reportaje tradicional. Egresado de fotografía profesional del Instituto Arcos, su trabajo ha ido construyendo una obra coherente alrededor de la memoria, los recuerdos y aquello que permanece apenas como residuo emocional del paso del tiempo. Esa idea aparece de manera explícita en su visión de obra —“los residuos” como fragmentos retenidos por la fotografía—, pero también atraviesa toda su producción visual: cuerpos que apenas se dejan ver, calles vacías, interiores detenidos y paisajes donde el silencio pesa más que cualquier relato evidente.

   

    Lo interesante es cómo esa búsqueda se sostiene en registros muy distintos sin perder unidad. Sus imágenes analógicas tienen una materialidad áspera y contenida, con grano visible, contrastes suaves y una relación muy física con la luz y el deterioro. En sus trabajos a color, en cambio, aparece una temperatura emocional más directa: flashes crudos, pieles sobreexpuestas, escenas nocturnas donde la intimidad se siente frágil y algo incómoda. Incluso en sus retratos hay una sensación de distancia; las personas parecen absorbidas por sus propios pensamientos mientras la cámara se mantiene cerca, pero nunca invasiva. La ciudad, la cordillera y los espacios interiores funcionan menos como escenarios que como extensiones del estado anímico de las imágenes. Hay una melancolía persistente en su fotografía, aunque siempre contenida, nunca exagerada.

 

  

 

 

 

Costras probablemente sea el punto donde todas esas líneas terminan de encontrarse. El libro, centrado en la sequía y el desgaste territorial del Limarí, evita conscientemente la espectacularidad de la catástrofe ambiental para concentrarse en sus huellas más íntimas y silenciosas. Ahí el paisaje aparece erosionado de la misma forma que los recuerdos: fragmentado, ambiguo, imposible de fijar por completo.

 

 

 

 La memoria familiar, el territorio y el deterioro material conviven en una secuencia donde no siempre queda claro qué pertenece al archivo y qué al presente, como si ambas dimensiones fueran inseparables. Más que fotografiar certezas, Larraín parece interesado en registrar aquello que permanece suspendido: restos de luz, de lugares y de experiencias que sobreviven apenas como imágenes incompletas. Y justamente ahí, en esa fragilidad sostenida sin artificio, es donde su trabajo encuentra una voz propia dentro de la fotografía chilena contemporánea.

 

   

 

Puedes encontrar mas de su trabajo en su cuenta de instagram 

 

 https://www.instagram.com/larrainaraneda/?hl=es  

 

o en su pagina web

 

 www.behance.net/larrainaraneda  

 

 

 

 CLANK

NADA SE PIERDE CON VIVIR

    

 

Por Desastre  Alterno

 

QUE NADA SE PIERDA

 

        Clank es una banda formada por Jorge Ugarte en guitarra, voz y sintetizador, Ignacio Labbé en el bajo y Mauricio Vásquez en batería. Con esta agrupación, más distintos músicos invitados, en mayo del 2025 hicieron el lanzamiento del disco titulado Nada se pierde con vivir.

         Para entender el sonido de esta banda, hay que remitirse a la gran cantidad de grupos en los cuales Jorge Ugarte ha participado, destacándose por ser un músico inquieto, siempre con un alma experimental que la traspasa a su música. Algunas de estas formaciones son: Leidan, Zat, Costa Rica y Federico Luppi.

         El tema Golpe a Golpe, con una cadencia que recuerda sonidos latinoamericanos, invita a un baile de liberación. Larga vida al sol es lo que podríamos llamar un tema “muy Clank”: una voz rabiosa, un sonido suave, experimental y por momentos fuerte, siempre con un Groove tribal.

         Siempre ilegal no es solo una oda al mantenerse en contra del sistema sino también puede entenderse como un canto a la inmigración, sobre todo en momentos en que se busca juzgar a quien viene desde otros lados. La voz de Estonia Oczara se ajusta muy bien a la potencia del tema. Bestias, en tanto, es un tema jam que bebe mucho de bandas como Sandino Rockers: bailable, punk y siempre rockero.

         Mental es un tema instrumental (valga la redundancia) que sirve de entrada rabiosa a Todo todo todo, una de las canciones donde más se puede entender la filosofía de la banda. Aquí se hace una crítica a la rutina y aceptar la normalidad, aquella paz de las ovejas. Y este mensaje queda aún más claro con Tirapiedra, tema con un coro totalmente pegadizo, donde colabora el músico Katafu.

         En Tómalo se aprecia el gusto por la experimentación de la banda. En el último tema, Andariego, la voz parece alargarse creando una sensación de aletargamiento como si quien cantara estuviese preso de algo de lo que necesita escapar.

         Nada se pierde con vivir es pues, un disco hermoso, lleno de reminiscencias folclóricas y latinoamericanas, siempre con un contenido político que no es solo un simbolismo lírico sino también una forma de vida.