EL FRACASO TOTAL DEL MUNDO

 

  

 

      Entre restos de revistas viejas, titulares mutilados y cuerpos que nunca terminan de aparecer completos, el imaginario de Otoñosempiterno construye una especie de arqueología emocional del desastre. Sus collages —difundidos en Instagram bajo el nombre de @elfracasototaldelmundo— operan como diarios íntimos intervenidos por la memoria política, el duelo y la ansiedad de existir en una época saturada de imágenes y ruido. Hay algo profundamente latinoamericano en esa acumulación de flores, ruinas, manos amputadas, vírgenes, recortes escolares y frases arrancadas desde un pensamiento que parece escrito a las tres de la mañana. Nada está completamente roto, pero tampoco logra recomponerse del todo.

 

   

 

 La fuerza de su trabajo no descansa en la técnica virtuosa, sino en la sensibilidad con que tensiona texto e imagen. Frases como “No sé ser yo” o “La nostalgia es una trampa” no funcionan como slogans; aparecen más bien como filtraciones mentales, pequeñas confesiones encontradas entre capas de papel envejecido y fotografías anónimas. El cuerpo femenino —fragmentado, observado, desplazado— atraviesa gran parte de la obra como territorio vulnerable y político. En sus composiciones conviven el archivo familiar, el collage dadaísta, la poesía visual y cierta estética de fotolog melancólico que, lejos de sentirse pasada de moda, revive acá con una honestidad brutal.

 

   

 

 En tiempos donde gran parte del arte digital persigue limpieza visual y algoritmos complacientes, Otoñosempiterno insiste en el recorte irregular, la textura sucia y el vacío incómodo. Sus piezas parecen recuerdos mal escaneados desde una conciencia agotada: ventanas abiertas hacia una intimidad frágil donde la violencia social, la identidad y la nostalgia se mezclan sin jerarquías. Más que producir imágenes bellas, su trabajo parece empeñado en reunir fragmentos sobrevivientes de algo que ya colapsó hace tiempo. Y quizás ahí está su mayor potencia: en convertir el fracaso, la confusión y la ternura rota en un lenguaje visual coherente y profundamente humano.

 

   

 

Pueden encontrar mucho mas de su trabajo en su cuenta de instagram

 https://www.instagram.com/elfracasototaldelmundo/

 

 

 

 JIRAFA ARDIENDO

EP HOMONIMO (1998)

   

 

        A finales de los 90, mientras el rock chileno lidiaba con la resaca del pop de radio y el auge del agro-metal, desde La Serena apareció un artefacto unico. El EP homónimo de Jirafa Ardiendo (1998) fue el primer gran zarpazo de una banda que parecía venir de otra frecuencia radial, gestado tras un invierno de encierro en los estudios de Balmaceda 1215. No era solo rock de guitarras; era una mezcla de aire marino, distorsión cuidada y una melancolía que solo se mastica en provincias. Este EP se transformó rápidamente en un secreto a voces, cargando un sonido que la Zona de Contacto no dudó en proyectar como los responsables del "OK Computer chileno".

El sonido de este debut es puro instinto y atmósfera. Hay una urgencia que se siente en cada track, donde la banda lograba sonar espacial pero con los pies metidos en el barro. Lo que pocos pillaron a la primera fue que, el grupo ya estaba instalando sus "Nexos": esas experimentaciones con fragmentos de música y palabras que unían las canciones o quedaban como segmentos fantasma al final del audio. Era el nacimiento del concepto "zoosónico", un hallazgo que combinaba la ternura de "Motosierra" con un ruidismo que bebía tanto de los británicos como del surrealismo daliniano de una jirafa en llamas.

Lo que hace a este debut algo especial es su capacidad para abordar temáticas que el rock de la época solía esquivar. Mientras algunos buscaban la rima fácil, las letras aquí se paseaban por problemáticas medioambientales en piezas como "Barro", la denuncia directa de la violencia contra la mujer en "Muele", o esos amores catastróficos que cruzan "Ella Fue" y "Girasol". Escucharlo hoy es como mirar una fotografía revelada a medias: tiene sombras, grano y una luz que solo pertenece a la Cuarta Región, exportando una sensibilidad de puerto y desierto que no se parecía a nada de lo que pasaba en la capital.

A más de 25 años de esas sesiones de invierno, este esfuerzo homónimo se mantiene como el pilar para entender de dónde salió todo ese fuego. No es solo un objeto de culto para coleccionistas de ediciones descatalogadas; es el registro de una banda que se atrevió a ser introspectiva cuando todos querían gritar, dejando incluso pistas ocultas de un ecosistema que muchos tardarían años en descubrir. Jirafa Ardiendo dejó en este EP la hoja de ruta del rock alternativo chileno del nuevo milenio: elegante, ruidoso y profundamente honesto. Un verdadero clásico del subsuelo que, a pesar del tiempo, guarda intacta su ternura eléctrica.

 

 

 LA BEBE

LAS FORMAS

 

Por Gonzalo Vilo

 

    Desde su aparición, hace algunos años, La BB Banda ha distorsionado nuestros sentidos basándose en dos factores relevantes: la emotividad cruda y un indie punk directo. Su primer EP homónimo, lanzado en 2024, fue una muestra de aquello: una carta de presentación en la que la banda exploró el uso de distorsiones y efectos.

A mediados del año pasado vino la prolongación de toda esta estridencia. Su segundo EP, llamado Las Formas, el cual, a diferencia de su antecesor, tiende a ser un poco más emotivo y desatado, muestra una consolidación de su sonido y de la estructura de cada entrega. Aquí, las guitarras de Renée y Bruno se entrelazan en una danza frenética que suena tan sucia como elegante, rescatando esa mística del “under” porteño que se niega a morir.

Son ocho los tracks que componen este EP, los cuales se caracterizan por un sonido emotivo, nostálgico y directo. Entre ellos destacan “4,2,3”, “Un Bosque” y “Róbame”. Quizás sea un gusto personal, pero son las que más escucho del disco y probablemente la razón por la cual lo destaco. De todas formas, el resto del EP mantiene la solidez y se nota mucho la mano de Ignacio “Nes” Rodríguez en los estudios de BYM Records.

Punto aparte es la pluma de Renée, quien logra equilibrar la rabia del punk con una melancolía que te cala los huesos. Sus letras no se pierden en metáforas vacías; son crónicas breves de una sensibilidad nostálgica que encuentran su lugar perfecto sobre la base rítmica de Cris y Samuel. En cada tema, su voz guía esa urgencia melódica ideal para el pogo sudado en locales como el Cassot, donde las historias de desamor y ruido resuenan con fuerza entre el humo.

En definitiva, Las Formas es un manifiesto de resistencia musical. La BB Banda captura esa estética del rock alternativo chileno que mira hacia el futuro sin soltar la mano del pop punk más visceral. Si buscas un disco para musicalizar el caos cotidiano con líricas honestas y una dosis de sensibilidad indie, dale play a esta joya. La banda ya está haciendo ruido en las calles, y más te vale subirte al carro antes de que estas “formas” se vuelvan la norma.

READ IN BLOOD

40 AÑOS DEL CLÁSICO DE SLAYER

     Este libro no busca convencerte de nada, pues estamos seguros de que pensamos igual: Reign in Blood es el álbum que marcó la pauta y entregó muchos de los códigos para el desarrollo de lo que hasta hoy conocemos como metal extremo. Publicado en octubre de 1986, no era sólo el tercer trabajo de Slayer, también fue un hito que perfiló a la banda en su camino a convertirse en leyenda. Sólo Slayer suena a Slayer, y sólo Slayer pudo haber compuesto esta pieza que cumple cuatro décadas.

 

 

 

El paso de los años agiganta la contribución del disco más allá de los géneros musicales. Reign in Blood tiene una historia colmada de detalles significativos, genera debates con no poca controversia y, acaso lo más importante, ha forjado el gusto musical y educado el oído de generaciones de melómanos.

De todo eso se trata este libro a medio camino entre el ensayo y la crónica, entre la investigación periodística llena de datos que muchos pasan por alto y el análisis técnico a partir de diez músicos invitados a comentar las canciones.

Publicado originalmente en 2016, Read in Blood ahora regresa en una versión revisada y extendida con nuevos capítulos y otros hallazgos.



“Un álbum imperecedero cuya estridencia propulsa estas páginas como un tributo a la trascendencia y la sincronía”. Nuno Veloso, Rockaxis



“Un guiño a la cultura informativa de la revista escrita a máquina y fotocopiada, propia del thrash metal de ese tiempo”. Marcelo Contreras, La Tercera



“Que se hagan libros en Chile sobre la música metal es una cosa rara. Que, a la vez, se escriba sobre una banda internacional es más extraño aun. Que el tema central de toda la obra sea hablar de un disco específico hace que todo sea una locura. Pero así es, y la jugada valió la pena”. Patricio Pérez, Larata.cl

 

 

 

 

Sobre el autor:

Patricio Jara. Es autor de una serie de novelas y libros de relatos aparecidos en Chile, España, Colombia, México e Inglaterra. Escribió durante cinco años en la revista Rolling Stone y tradujo al español el libro Swedish Death Metal, publicado en Sudamérica y Europa. Es autor de los dos volúmenes Pájaros negros y de libros sobre bandas como Pentagram, Sadism y Electrozombies. Recibió la beca Fulbright para estudiar literatura en Estados Unidos. Es profesor de la Escuela de Periodismo de la Universidad de Chile.



Datos Técnicos:

Read in Blood. 40 años del clásico de Slayer

Patricio Jara

174 págs.

Contiene material gráfico

ISBN: 978-956-9921-62-9

Colección de Atril

2026

 TEODIOTEODIO

 ECHAREMOS EL CIELO ABAJO A PATADAS  (LP 2026)

 

 

 Por Desastre  Alterno

 

TE ODIO, TE ODIO Y CON GANAS



     Teodioteodio es una banda que destila poesía por sus poros. Sus integrantes son: Felipe Baraona (voz y declamación), Diego Álvarez (voz), Vicente González (guitarra), Pedro Krebs (también guitarra) y Tomás Alvear (batería). Bajo un concepto que siempre alude a la poesía y con amplias referencias al mundo literario, la agrupación dejó este 2026 ante el respetable, una obra llamada Echaremos el cielo abajo a patadas. Para quienes sean seguidores de la banda, anteriormente hubo una especie de “versión beta” del disco, que figura titulada como Despidiendo a Felipe, y que contenía temas en vivo.

El disco comienza con Lejos de México. Es un tema que empieza de forma hipnótica, con una belleza que es transmitida por las palabras de Felipe, quien declama mientras el coro suaviza la fuerza de lo recitado. La voz de fondo se va volviendo más fuerte a medida que avanza la canción. Este es el estilo de la banda y es el sello que está en los temas que siguen.

Pantera es una canción donde se puede encontrar una vertiente caótica de la banda. La poesía, en su esencia, es un lenguaje de múltiples interpretaciones y ese caos se puede encontrar tanto en los versos como en los gritos de fondo de este tema.

Con un sonido que podría recordar a una canción grunge, más elementos que continúan con la idea del caos, sobre todo en ese quiebre que rompe la calma, Catástrofe invade los sentidos. Hay algo de Eterna Inocencia en este tema.

Y a modo de puente, pues bien: Puente, un tema con referencias a Borges y donde parece que vamos caminando y somos invitados a reflexionar sobre lo que nos rodea. Empieza hipnótico para luego invitarnos a gritar.

Amar es un tema que prosigue con la búsqueda hipnótica que quiere transmitir la banda. En el caos de la canción, se conjuga lo suave con lo agresivo. El amor parece gravitar entre la locura y el desorden.

A modo de homenaje a Jorge Teillier, se incluye en este disco Nostalgia del Far West, donde el poeta habla de su natal Lautaro. Es un homenaje a cómo la banda ha sido influida por la poesía.

En Multitudes escuchamos el verso En las multitudes no eres nada, donde se interpela repetidas veces a la figura de Dios. Se expresa cansancio y molestia con las injusticias terrenales. Un tema largo donde la banda nos invita a pasear por distintos estados emocionales.

Finalmente tenemos el tema titulado Teodioteodio, que en la anterior versión en vivo se llamaba Yo contra yo. Tema nostálgico y poderoso que recuerda a Slint o Mono. En esta canción el poema declamado tiene versos de Pablo de Rokha, lo que nos recuerda a la banda Ocho bolas quien también sacó un disco en su homenaje.

Echaremos el cielo abajo a patadas es un disco potente, repleto de cambios en la guitarra y voces hipnóticas y gritos que apelan al despertar de esas emociones que reprimimos. Una creación poética que bebe de Teillier, Zurita, De Rokha y que se inspira en el post rock aunque también se puede encontrar en su declamación lo que podría llamarse poesía punk. Un disco para amar aunque sea odiando.

 

 

 

 

 

 DALIT

IDRATHERBETHINTHANFAMOUS

 

       Desde el primer vistazo al perfil de @idratherbethinthanfamous, queda claro que no estamos ante el típico portafolio pulcro diseñado para el algoritmo, sino frente a una bitácora de resistencia visual. Su obra es un ejercicio de honestidad brutal que se siente como encontrar un fanzine fotocopiado en el rincón más oscuro de una feria de libros usados. 

 

 

Hay una urgencia en el trazo, una falta de pretensión que golpea más fuerte que cualquier render digital impecable; aquí las imágenes se instalan en la retina con esa estética de lo inacabado, donde el error es parte de la composición y la precariedad del material se convierte en su mayor fortaleza.

 

 

 

 Lo que atrapa de esta propuesta es la capacidad de convertir el vacío en algo tangible. No se trata solo de dibujo, sino de una narrativa de la fragilidad que resuena con fuerza en el Chile de hoy, lejos de las luces del centro y los circuitos oficiales. Hay una melancolía que no es decorativa, sino estructural, que se mezcla con textos que cortan el aire y nos recuerdan que el arte, antes de ser objeto de consumo, es un diario de vida fragmentado, un refugio para las obsesiones que no caben en los formatos tradicionales.

 

 

Es, en esencia, un trabajo que entiende el valor de lo crudo. Al observar sus composiciones, uno percibe esa herencia del DIY y del collage analógico, donde la belleza reside en lo que otros desechan: la textura de un papel gastado, la mancha de tinta inesperada, la palabra que quedó a medio escribir. Es una obra que dialoga con lo subterráneo, con lo que se hace por necesidad vital, recordándonos que para generar un impacto real no se necesita más que una mirada afilada y el coraje de mostrarse vulnerable frente al papel.

 

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SLOWKISS

FRESH  (2026)

 

 

 Por Gonzalo Vilo

 

         Un nuevo disco siempre es sinónimo de buenas noticias, especialmente en un país como el nuestro, donde cuesta tanto que cualquier proyecto musical se desarrolle. La liberación de Fresh, último disco de Slowkiss, el pasado mes de febrero, es una prueba fiel de aquello.

Trece tracks componen este tercer larga duración que, desde “Fresh Start”, nos instala de lleno en un sonido que transporta al oyente a esas tardes después del colegio, cuando encendías la radio o ponías MTV y aparecían aquellas tremendas bandas de rock alternativo que escuchábamos en los noventa y a principios de los dos mil.

Actualmente radicados en España, la banda liderada por Elisa Montes vuelve a la escena con Fresh, un disco que inyecta vitalidad a su catálogo y propone una nueva mirada sobre su estilo, conservando siempre su sello característico. Si bien en gran parte del disco la banda sigue manteniendo sus influencias ligadas al shoegaze, al punk y al rock alternativo, en este trabajo los vemos oxigenar un poco su sonido. Aquí las guitarras persisten como columna vertebral, pero se despliegan sobre un pulso rítmico más dinámico que dota al álbum de melodías constantes y un diseño estructural más nítido.

El disco se siente orgánico, menos calculado y mucho más fluido que su antecesor, K.O., demostrando que el desarraigo les sentó bien para pulir un lenguaje interno que no necesita de sellos ni modas para sonar gigante.

En el corazón de este trabajo late una rabia lúcida y una crítica frontal a la “dictadura de la felicidad” que vomitan las redes sociales. Temas como “A.K.O.L” golpean directo en la cara de la hipocresía cotidiana y la ambición de quienes se aferran a sus privilegios. Pero el mensaje no se queda en el aire; hay una carga política y personal potente, marcada por la fricción de ser mujer en un entorno dominado por lógicas masculinas y discursos de cartón. Fresh es un diario de lucha social y poder femenino que, entre pasajes poéticos y melodías persistentes, nos recuerda que la música sigue siendo la mejor trinchera para escupir las incomprensiones del ser humano.

Desde la distancia, Slowkiss mira de reojo una escena chilena precarizada y apunta con el dedo a las corporaciones de streaming que han devaluado el arte. Sin embargo, el cordón umbilical con el underground nacional sigue intacto. Con la llegada de José Gómez y Antonio Salar a la formación, el grupo encontró una estabilidad sonora que los llevó a girar por Alemania y Suiza, pero el hambre de volver a casa sigue ahí. Fresh es el hito de una banda nómada que, aunque hoy opera desde Europa, sigue sonando a esa rebeldía artesanal que solo se aprende pateando las calles de Chile. Un disco necesario para despertar antes de que nos terminen de idiotizar.