ENTREVISTA

ALDU

NADA MAS QUE LA VIDA (1RA PARTE)

Nada Más Que La Vida (1) se presenta como la primera parte de un proyecto más amplio. ¿Cómo nació la idea de convertir la vida, con todas sus contradicciones, en el concepto central de este lanzamiento?

La idea parte por que he estado en una montaña rusa de muchas emociones y vivencias de mi vida personal y alrededores. Estoy entrando a los 30 años, tanto mi vida como mi cuerpo se sienten diferente, la perspectiva de las cosas cambia. Le he prestado atención a las cosas tanto como cosas buenas, malas, alegres, tristes y etc.

Que sea en 2 partes para ser honesto es por mi falta de tiempo actualmente como para centrarme en armar un álbum de larga duración. Y por que el concepto encaja para experiencias cortas como la vida misma. Nuestra vida en general es efímera y a lo largo de ella puede ser tanto bella como horrible. Es cosa de uno como puede verla y conllevarla.

Mencionas que el disco está inspirado por cómo han sido tu vida y tu entorno durante el último tiempo. ¿Qué experiencias o cambios fueron los que más marcaron la creación de estas canciones?

Definitivamente las canciones que más me marcaron de esta primera parte es sin duda ‘’Todo estará ok’’ y ‘’Has llegado a mi, amada’’ que han sido mis momentos mas intensos y bellos en mi vida actualmente.

En este trabajo conviven el amor, la amistad, la incertidumbre y la esperanza. ¿Qué tan autobiográficas son las historias que aparecen en temas como Te Quiero, Amiga o Laura?

 En ‘‘Amiga’’ relato como se sintió una noticia que un principio me pareció un tanto desalentadora hacia alguien que estimo mucho, en ‘‘Laura’’ relato situaciones relacionadas a mis cercanos y sus vivencias compartidas. Y en ‘‘Te quiero’’ simplemente es como me he sentido cuando he querido a alguien.

Si tuvieras que definir el espíritu de Nada Más Que La Vida (1) con una sola imagen o escena, ¿cuál sería y por qué?

La veo reflejada tal cual como la portada del álbum, que es una foto de un recuerdo, un momento único, cosas que quedan en la memoria.

Gran parte del proceso creativo pasó por tus propias manos, desde la composición hasta la grabación y masterización. ¿Qué significa para ti trabajar desde una lógica tan autogestionada?

En general me da gusto trabajar solo para mí, tengo mi espacio y mi home-studio, con ello me acomodo a mis tiempos, puedo grabar yo ilimitadamente e ir probando ideas a mi gusto. En este caso en mezcla y master me ha ayudado mi gran amigo joka de Joker GF quien me ha acompañado desde el vamos hasta hoy entendiendo mis ideas.

Este disco aparece identificado como la primera parte de una obra mayor. ¿Qué diferencias o nuevas búsquedas crees que traerá la segunda entrega que ya estás preparando?

De lo que tengo en mente serán otras 5 canciones en las que abarcaré otros temas relacionados al concepto. Como existencialismo o familia. Me encuentro trabajando en ellas actualmente y espero terminarlas antes que acabe el año. Todo depende de como me irá en la vida este año

En una época donde todo parece ir cada vez más rápido, ¿qué te gustaría que se llevara alguien después de escuchar de principio a fin Nada Más Que La Vida (1)?

Me gustaría que la gente se llevara la sensación de haber compartido un viaje o como una conversación con alguien, conocerse y saber su historia. Las canciones nacieron de experiencias, dudas y emociones reales, y si alguien llegase encontrar algo de sí mismo en ellas, entonces es por que mi música hizo una buena conexión

 POENTOS POST AMOR Y MUERTE  

GERMAN KLENNER   

 

  

Por Gonzalo Vilo

            Durante el año recién pasado, la editorial Mago Editores publicó Poemas post amor y muerte, un poemario del autor Germán Klenner, el cual forma parte de la colección Poeta Carmen Berenguer de dicha editorial.

Después de leer las cien páginas que componen el libro, me parece que este conjunto de poemas está articulado en torno a tres ejes centrales: el amor, el deseo y la mortalidad. A través de ellos, busca explorar las intensas fronteras emocionales y existenciales del ser humano.

Cada uno de los poemas y versos que componen el libro posee una rica lírica visual, en la que destaca el uso de bellas metáforas relacionadas con la naturaleza y el cuerpo. La obra se adentra en algunos de los temas más complejos de la existencia humana, como el erotismo y la finitud, conectando de alguna forma el deseo con la pérdida.

Es un libro que deberían leer quienes buscan una lírica honesta que no teme confrontar las sombras del duelo ni celebrar los destellos de la pasión.

 

 CHULO_SEN

     El arte de Chulo_Sen brota desde la mugre fértil del cómic independiente, el punk de barrio y las pesadillas que se quedan pegadas después de apagar la luz. Cada trazo parece empujado por una urgencia expresiva que privilegia la intensidad, construyendo personajes que habitan un territorio donde conviven la sátira, el espanto y la ternura deformada.

 

Su imaginario está poblado por criaturas incómodas, rostros descompuestos y figuras que parecen escapar de algún fanzine olvidado en una tocata de madrugada. Lejos de la provocación vacía, la obra encuentra fuerza en una mirada que transforma lo marginal en materia estética. Hay humor ácido, ecos del terror clásico, cultura callejera y una evidente fascinación por aquello que suele quedar fuera de los márgenes del buen gusto. El resultado es un universo visual coherente, reconocible y cargado de identidad propia.

Para quienes quieran sumergirse en este catálogo de mutantes, monstruos y personajes improbables, pueden revisar más de su trabajo en Instagram a través de @chulo_bootleg. Además, parte de su propuesta se extiende al mundo del tatuaje, donde desarrolla piezas con la misma energía gráfica en @flashblacktattoo. Una obra que no busca acomodarse a las tendencias del momento, sino abrir grietas desde donde asoman nuevas formas de mirar.

Mas del trabajo de artista en:

Cuenta de Comic punx☣️
@chulo_bootleg

Tattoo @flashblacktattoo

 

 GRIS  CASTIGADO

TRANS  DIOS  (2026)

 

  

 Por Gonzalo Vilo

      Trans Dios fue grabado hace tanto tiempo que podría confundirse con un mensaje perdido, una advertencia que quedó atrapada entre cables, discos duros y cambios de época. Sin embargo, al escucharlo hoy, no suena viejo. Suena como si hubiese estado observándonos desde algún rincón oscuro mientras todo se deterioraba lentamente. Quizás por eso funciona tan bien: porque el mundo que imaginaba en 2018 o 2019 terminó pareciéndose demasiado al que habitamos en 2026.

Desde el comienzo, Gris Castigado instala una sensación incómoda. No se trata únicamente de las guitarras filosas o de las baterías que golpean como maquinaria industrial; es algo más difícil de nombrar. Hay una tensión permanente recorriendo canciones como “Yo Cifrado”, “Fronteras de Aire” o “Muro en Llamas”, una sensación de estar caminando por una ciudad vacía donde las luces siguen funcionando aunque ya no quede nadie para mirarlas. El punk, el post-punk y el noise aparecen menos como géneros y más como herramientas para construir ese paisaje. Todo parece oxidado, pero sigue moviéndose.

Las letras habitan ese mismo territorio. No describen el apocalipsis como un acontecimiento espectacular, sino como una condición cotidiana. Los personajes de Trans Dios parecen atrapados dentro de sistemas que continúan reproduciéndose por inercia, arrastrando identidades fragmentadas, recuerdos defectuosos y una extraña nostalgia por algo que quizás nunca existió. La ciencia ficción está presente, pero no como evasión. Más bien como un espejo deformado donde la realidad aparece todavía más reconocible.

Lo más interesante es que Gris Castigado evita la solemnidad. Incluso cuando el disco se mueve entre ruinas, incendios y muertes anunciadas, nunca cae en el dramatismo fácil. Hay ironía, extrañeza y una especie de humor negro que recorre el álbum completo. Trans Dios termina funcionando como una cápsula de tiempo defectuosa: un documento sonoro que llega tarde, pero justamente por eso llega en el momento preciso. Mientras todo parece acelerarse hacia algún lugar incierto, estas diez canciones se quedan observando las grietas.

Grabado en 2019 en Estudio Lagartija y Gitano Recs.
Producido y mezclado por Pablo Gálvez Cataldo.
Masterizado por Paolo Riffo en Estudios del Sur.
Arte por Estonia Oczara.


Guitarra y voz: Dimi Pactos
Guitarra y voz: Estonia Atrozis
Bajo: Horacio Ferro
Batería: Alfonso Arévalo

CARTAS A  MIS PADRES MUERTOS

PELICULA DE IGNACIO AGUERO

 

 

Por  Mati LO-FI

 

       Cartas a mis padres muertos de Ignacio Agüero, parte de una idea que podría sonar solemne —hablarles a sus padres fallecidos— pero rápidamente la película se escapa de cualquier gesto grandilocuente. Lo que aparece en pantalla es más bien una deriva: recuerdos incompletos, imágenes encontradas, asociaciones inesperadas y momentos en que la memoria parece trabajar por cuenta propia. La sensación es menos la de asistir a un documental que la de entrar al cuaderno personal de alguien que lleva años pensando en las mismas preguntas sin terminar de responderlas.

Lo más interesante es que Agüero no intenta ordenar el pasado ni convertirlo en una historia ejemplar. La película avanza con la lógica caprichosa de una conversación larga, donde una fotografía lleva a otra, un recuerdo abre una digresión y un detalle doméstico termina conectándose con medio siglo de historia chilena. Ahí está parte de su fuerza: en lugar de explicarlo todo, deja espacio para la duda, el olvido y las zonas borrosas. Incluso cuando aparecen acontecimientos históricos reconocibles, estos nunca se imponen sobre la experiencia íntima que articula la película.
 

Cartas a mis padres muertos se siente extrañamente libre. No porque ignore la historia, sino porque se relaciona con ella desde la fragilidad de la memoria y no desde la autoridad del relato definitivo. Es una película hecha de desvíos, de pequeños hallazgos y de imágenes que permanecen resonando más tiempo del esperado. Como varias de las mejores obras de Agüero, termina siendo menos una respuesta que una compañía.

 

 

 

ENTREVISTA  CAMINO A CENTRAL

 

      

       Camino a Central es una bofetada de cables, óxido y memoria que desentierra la herencia obrera de Arica para transformarla en vanguardia pura. Lejos del centralismo de la capital, el Colectivo Amuki esquiva el algoritmo bailable y se sumerge en las ruinas de la ex-Maestranza Central del Ferrocarril Arica-La Paz. No es música de fondo para mañanas flojas; es arqueología industrial hecha sonido, donde las texturas de la electrónica experimental chocan de frente con la rigidez de la música clásica-docta. Un artefacto sonoro áspero y fronterizo que dota de cuerpo y volumen al silencio del desierto.

 
El viaje conceptual que propone el álbum no se queda en la postal turística ni en la nostalgia barata del tren que ya no pasa. La genialidad del registro radica en su capacidad de trazar una cartografía física y emocional: el recorrido arranca húmedo en la costa del río Lluta, avanza entre el crujido metálico de las máquinas muertas y trepa sin piedad hasta el kilómetro 70 de la precordillera. En medio de esa densidad maquinal y atmosférica, la voz de la soprano Alejandra Araya opera como un faro espectral, una presencia humana que flota sobre las capas sintéticas y los paisajes sonoros grabados en terreno.

 
Este trabajo se consolida como un hito imprescindible para entender el nuevo underground del extremo norte chileno, ese que no necesita pedirle permiso a Santiago para sonar universal. Camino a Central es un disco físico, político y geográfico que exige audífonos y atención completa para procesar sus dinámicas de tensión y calma. Es la demostración de que la vanguardia nacional hoy se teje en las regiones, rescatando los escombros de la historia para construir con ellos el sonido del mañana.

 

 

Aqui nuestra entrevista con la banda. 

 

 

 CHOOSE  LIFE

 SANTIAGO-ANDER EDITORIAL  2026

 

    

 

     Choose Life apareció entre las mesas de la última edición de La Furia del Libro como esos hallazgos que uno no iba buscando, pero termina llevándose bajo el brazo. La nueva plaquette de Santiago-Ander Editorial reúne siete ensayos en torno a Trainspotting, aunque reducirla a un libro sobre una película sería perder de vista lo que ocurre en sus páginas. 

 

 la publicación aborda Trainspotting desde distintas perspectivas, poniendo atención en temas como el cine, la juventud, el exceso, la música y la rabia que atraviesan la obra. Lejos de plantearse como un estudio único o cerrado, el libro reúne distintas aproximaciones a un fenómeno que continúa generando lecturas y discusiones. La elección de Trainspotting como punto de partida permite volver sobre una obra que excedió los límites de la pantalla para convertirse en una referencia cultural reconocible mucho más allá de su momento de estreno.

Como primera entrega de esta nueva colección, Choose Life propone un acercamiento breve y accesible a un universo que sigue despertando interés entre lectores, cinéfilos y observadores de la cultura contemporánea. La plaquette aparece así como una invitación a revisitar una obra clave de los noventa a través de la mirada de sus ensayistas, abriendo una conversación sobre su permanencia e influencia en el presente.