INGRID HAXAN

LA  LITURGIA  DE  LA  SOMBRA  Y  DE  LA PIEL

 

  

 

       La propuesta visual de Ingrid Haxan no busca la complacencia; es una inmersión directa en una estética del abismo que se siente tan ancestral como necesaria. Su obra se levanta como un manifiesto del Dark Art en el circuito contemporáneo, rescatando la crudeza del grabado bajomedieval para traerla a un presente saturado. Hay una honestidad brutal en su uso del negro: no es solo tinta, es un vacío que construye estructuras, donde el contraste extremo se convierte en el lenguaje principal para articular una narrativa sobre la finitud y lo oculto.

 

 

   

Como tatuadora, Haxan opera con una precisión casi quirúrgica, transformando la dermis en un soporte para la memoria pagana. Su técnica de woodcut y el uso obsesivo del hachurado rompen con la fluidez tradicional del tatuaje comercial, apostando por una gráfica rígida, de bordes afilados, que parece tallada más que inyectada. En su mano, la aguja recupera su carácter de herramienta ritual, dejando marcas que parecen extraídas de un códice prohibido, otorgando a quien las porta una identidad de amuleto viviente.

 

   

 

En su faceta pictórica, Ingrid expande este universo hacia una composición más densa, donde el folklore oscuro y la botánica marchita cobran protagonismo. Sus pinturas son altares visuales que exploran la simbiosis entre lo animal y lo místico, alejándose de cualquier romanticismo barato. Existe en sus cuadros una simetría que inquieta, una disposición ceremonial de elementos que obliga al espectador a confrontar lo que usualmente preferiría ignorar: la belleza inherente a la decadencia y el peso simbólico de la sombra.

 

  

En definitiva, la trayectoria de Haxan es un recordatorio de que el arte under más potente es aquel que no negocia su identidad. Su trabajo, ya sea colgado en una galería autogestionada o cicatrizando en un brazo, sostiene una coherencia estética inquebrantable. Ingrid no solo ilustra; transmuta el horror y el folklore en una elegancia gótica que muerde, consolidándose como una figura clave para entender la mística de la nueva gráfica oscura en la región.

 

Puedes encontrar mas de sus trabajos en su cuenta 

 https://www.instagram.com/ingridhaxan_/  

 

 

 

 LA CASA QUE RESPIRA

CAMILO L. ROJAS (FEBRERO 2026)

 

 

Por  Gonzalo  Vilo 

 

     Publicar poesía siempre es un gesto de valentía. No todos se atreven a exponer su mundo interior en un libro, menos aún en un país que parece volverse cada vez más indiferente a la literatura y a la experiencia profunda del lenguaje. En ese contexto, cada nuevo poemario es también un acto de resistencia: una afirmación de que la palabra aún puede conmover, interpelar y abrir espacios de sensibilidad.

Este próximo 5 de febrero, en el Espacio Cultural La Casona de Vicuña, el poeta Camilo L. Rojas presentará La casa que respira, libro publicado por la editorial Wayruro de La Serena. La presentación estará a cargo de la escritora Clo Domínguez, con quien el autor sostendrá un diálogo que buscará acercar al público a las claves de esta obra. No se trata solo del lanzamiento de un libro, sino de la aparición de una voz que dialoga intensamente con el paisaje, la memoria y las fuerzas invisibles que atraviesan la experiencia humana.

Para entrar en La casa que respira hay que partir por un rasgo esencial: su capacidad de transfigurar lo material en energía espiritual o cósmica. Aquí la naturaleza no es simple escenario, sino organismo vivo; el tiempo no es una medida, sino una fuerza que erosiona y revela; la memoria no es recuerdo estático, sino llama que sigue ardiendo. Los poemas hablan desde un estado de percepción expandida donde paisaje, cuerpo y universo se funden, y donde la palabra poética funciona como respiración, ofrenda y búsqueda de sentido.

El imaginario del libro está atravesado por la luz, el fuego, el aire, las piedras y el mar, elementos que construyen una cosmología coherente y envolvente que sitúa la escritura de Rojas en una tradición de poesía latinoamericana de raíz telúrica y visionaria. Su voz, sin embargo, no se queda en la contemplación, sino que se abre a una dimensión ética y colectiva donde la memoria de los ausentes y la denuncia de la violencia se integran al tejido lírico sin perder intensidad simbólica. Con una imaginería abundante, un léxico de alto vuelo y una musicalidad sostenida por la repetición, el autor construye una experiencia poética densa y envolvente, donde cada texto parece formar parte de una respiración mayor. La casa que respira se levanta así como un libro de aliento amplio y vocación trascendente, en el que la poesía funciona como energía vital, memoria encendida y vínculo profundo entre el ser humano y las fuerzas visibles e invisibles del mundo.

 

 

CONFIO EN TUS AMIGOS

CABEZA  (SINGLE  2025)

   

 

      Con “Cabeza”, Confío en tus amigos vuelve a apretar donde duele. El single avanza con una tensión constante, como un pensamiento obsesivo que no te suelta, sostenido por guitarras filosas y una base rítmica que no busca el golpe fácil, sino el desgaste. La canción se mueve en ese terreno incómodo donde la ansiedad se vuelve cuerpo, y la letra —directa, casi amenazante— funciona más como imagen que como relato, reforzando una sensación de peligro latente que se queda dando vueltas después del último acorde.

Este lanzamiento no aparece de la nada. Desde sus primeros sencillos, Confío en tus amigos ha construido una identidad marcada por la urgencia, el ruido y una cierta desprolijidad consciente que dialoga bien con el estado actual del rock alternativo chileno. Temas como “Violencia” o “Procrastinación” ya dejaban ver una banda interesada en el conflicto interno y social, más preocupada de transmitir nervio que de pulir bordes. “Cabeza” toma esa base y la empuja un poco más lejos, mostrando mayor control sin perder fiereza.

En términos sonoros, el single se siente más compacto y decidido que trabajos anteriores. La producción acompaña sin suavizar, permitiendo que cada elemento respire en medio del caos. Hay un equilibrio logrado entre crudeza y claridad, algo que no siempre es fácil en este tipo de propuestas, y que habla de una banda que empieza a confiar más en su propio lenguaje, sin necesidad de adornos innecesarios.

Cabeza funciona además como un adelanto potente de L.W.S.D., el álbum debut que Confío en tus amigos prepara para este año. Si este single es una muestra del tono general del disco, estamos frente a un trabajo que promete profundizar en la incomodidad, la distorsión emocional y el ruido como forma de catarsis. En una escena under que sigue buscando nuevas formas de decir lo mismo de siempre, Confío en tus amigos parece decidido a hacerlo, con la cabeza al frente y sin esquivar el impacto.

 

 

Liberado el 10 de octubre de 2025 

Confío en Tus Amigos son:

Camilo Astorga Gatica “Chico Eléctrico” – Voz y guitarra
Lucas Bustamante Encina – Voz, bajo y sintetizadores
Renato Arriagada Zúñiga – Guitarra
Darío Espinoza Olivares – Batería

Grabado por Víctor Muñoz Q. en Estudio GAM y La Salitrera
Mezclado por Víctor Muñoz Q.
Asistencia de grabación: Gonzalo Rodríguez P.
Masterizado por Chalo González en GMastersPro

Arte y portada: Renata Valencia & Jorge Catoni
Sello Fisura | 2025

 

 

 

ANEMENTUS

 

    

Por Gonzalo Vilo

 

    Poco sabemos de los proyectos artísticos y culturales que nacen en la ciudad de Vicuña. Basta con revisar los medios regionales “importantes” para notar la ausencia casi total de reseñas o coberturas dedicadas a artistas locales, ya sea en pintura, literatura o música. El centralismo crónico del país también se reproduce a escala regional: las grandes ciudades acaparan focos, vitrinas y micrófonos, mientras las localidades más alejadas quedan relegadas al margen.

En ese contexto, el mérito de Anementus es doble. Originarios de la comuna de Vicuña, en pleno Valle del Elqui, la banda ha sabido levantar un proyecto musical sólido y coherente, avanzando a contrapelo de la invisibilización territorial. Su propuesta transita por sonidos atmosféricos y potentes, envueltos en lo que ellos mismos definen como “poesía sonora”: una búsqueda sensorial que apuesta más por la experiencia que por la fórmula.

Amanecer y Sin Respirar funcionan como piezas clave para entender el universo de Anementus. Sin Respirar (2022) fue uno de sus primeros golpes importantes y marcó su irrupción en las plataformas digitales. El tema se sostiene sobre una base rítmica firme y guitarras cargadas de textura, pensadas para construir esa sensación de atmósfera que hoy identifica al proyecto. En lo lírico, la banda se sumerge en estados emocionales intensos, introspectivos, reforzando su idea de música como vehículo expresivo más que como simple canción.

Amanecer (2024), en tanto, muestra una evolución clara: una producción más madura, más pulida y ambiciosa. Aquí Anementus profundiza en el trabajo de capas sonoras, logrando una propuesta más envolvente y cinematográfica. No es casual que este single se haya convertido en un eje central de sus presentaciones en vivo recientes, destacando su paso por el Festival Afluente y por las Sesiones Sónicas en la Casa de la Cultura de Vicuña.

Como dato no menor, la banda ha sabido instalarse en espacios culturales clave del circuito local, con presentaciones en el Festival Afluente, el Teatro Municipal de Vicuña y el ciclo Sesiones Sónicas de la Corporación Cultural Municipal. Señales claras de que, incluso lejos del centro, el ruido también se organiza, respira y avanza.

En tiempos donde la escena parece mirar siempre hacia los mismos lugares, proyectos como Anementus recuerdan que la música también se gesta lejos del centro, en silencio, con paciencia y convicción. Desde Vicuña, la banda no solo construye canciones, sino también un relato propio, anclado en el territorio y en la exploración emocional. Escucharlos es, en cierto modo, correr el cerco: prestar oído a lo que sucede en los márgenes y entender que ahí, muchas veces, está pasando lo más honesto e interesante de la escena local.

 

 

 

 

 MARCEL DUCHAMP 

EN VIVO EN CAJACUSTICA

 

 
 

     Después de seis años de silencio escénico, Marcel Duchamp vuelve a aparecer como esas bandas que nunca se van del todo, que solo se repliegan para cargar ruido y sentido. No hay épica de comeback ni promesas de continuidad: hay una fecha única, casi un gesto político en sí mismo. El sábado 7 de febrero, la banda irrumpe nuevamente en vivo en Matucana 100, reafirmando que su lugar sigue estando en la fricción, en el encuentro directo y sin maquillaje con quienes aún creen en el rock como herramienta de incomodidad.

 

 

El hito no es solo el reencuentro, sino también el lanzamiento de un disco registrado en 2018 en Espacio 56, capturando una de las últimas tocatas antes de su repliegue. El material —editado en CD— no busca pulcritud ni nostalgia: es documento crudo, testimonio de una banda en estado de tensión permanente. Ahí está Marcel Duchamp en su forma más honesta, con canciones que suenan a urgencia, a rabia bien pensada, a punk y hardcore que no necesita reinventarse porque nunca dejó de ser necesario. Un disco que suma peso a una discografía clave de la contracultura local.

 

   

  

Formados a comienzos de los 2000, Joaquín Contreras, Francisco Morales, Jaime Valderrama y Eduardo Rivera han construido un camino marcado por la autogestión, la experimentación y una postura crítica frente al poder y la violencia estructural. Marcel Duchamp siempre ha habitado ese espacio incómodo entre el ruido y la reflexión, donde la distorsión no es pose sino lenguaje. Su música no busca agradar: interpela, aprieta y obliga a escuchar con el cuerpo entero.

 

 

 

 

La tocata en la explanada de Matucana 100 —producida por Cajacústica— se perfila como una jornada de comunión underground, acompañada por bandas amigas como Espíritu de Lucha, Puentes del Maule, Maldita Ansiedad, Los Krapulitos y La Olas. Desde las 17:00 horas, el espacio se convertirá en un punto de encuentro para viejas y nuevas generaciones que entienden el rock como acto colectivo. No es una gira, no es un retorno permanente: es una fecha irrepetible, y como todo lo realmente importante en esta escena, pasa una sola vez.

 

 

 ALEJANDRA  MUSALEM

 

    

 

     Alejandra Musalem se mueve en un territorio donde la pintura no es solo imagen, sino rito. Nacida en Santiago en 1966, su recorrido vital —desde la odontología hasta la entrega total al oficio pictórico— no es un dato anecdótico, sino una clave de lectura: hay en su obra una obsesión por lo interno, por lo que late bajo la superficie, como si cada tela fuese una radiografía emocional. El óleo, noble y lento, es su aliado principal, un medio que le permite insistir, volver, profundizar, sin apuro ni concesiones.

 

   

 

Su imaginario se construye desde una figuración narrativa cargada de símbolos, donde lo femenino y la infancia aparecen como zonas de tensión psíquica más que como identidades fijas. Las figuras no buscan el realismo, sino activar algo incómodo y familiar a la vez: arquetipos que emergen desde el inconsciente y que dialogan directamente con la psicología jungiana, disciplina que Musalem incorporó de manera consciente a su proceso creativo.

 

     

 

 Aquí la pintura funciona como herramienta de indagación simbólica: un espacio donde los sueños, los miedos y las pulsiones toman forma visible. Cada escena parece suspendida en un tiempo impreciso, como si ocurriera en un umbral entre lo consciente y lo inconsciente. La infancia, lejos de toda nostalgia, se presenta como un territorio inquietante, atravesado por ambigüedades y silencios. Lo femenino, por su parte, se despliega como fuerza arquetípica, múltiple y contradictoria, ajena a estereotipos y más cercana a una energía ancestral que a una identidad cerrada.  

 

   

 

 En ese sentido, la obra de Musalem no propone respuestas, sino preguntas que persisten. Sus pinturas invitan a una contemplación lenta, casi meditativa, donde el espectador se ve implicado emocionalmente, empujado a reconocer algo propio en aquello que observa. Hay una dimensión ritual en su práctica: pintar como acto de transformación, como proceso de conocimiento interior. Así, cada tela se vuelve un campo simbólico activo, un espejo oscuro y fértil donde la subjetividad se expande y la pintura recupera su poder primitivo de revelación.

 

 

Mas del trabajo de la artista en 

 

 https://alejandramusalem.format.com/

MALA  POSTURA

MP   (EP 2025) 

 

     

 Por  Gonzalo Vilo

     Una grata sorpresa ha significado el debut de la banda nacional Mala Postura. Durante el año recién pasado liberaron MP su primer trabajo discográfico, un EP que desde sus primeros segundos deja en claro su intención: emocionar, conectar y decir las cosas de frente. Con una carga nostálgica y melancólica bien marcada, el disco se instala rápidamente como una carta de presentación honesta y efectiva dentro del emo-pop chileno.

Desde 2024 la banda ya venía dando que hablar gracias a algunos singles que circularon en la escena local, pero fue en 2025 cuando lograron consolidar su propuesta de manera más formal con la grabación de este EP, el cual incluso ya se encuentra disponible en formato CD. Un detalle no menor en tiempos dominados por lo digital, y que habla del compromiso del grupo con su proyecto.

En poco menos de 19 minutos, Mala Postura demuestra con creces por qué su nombre comenzó a resonar fuerte. Son cinco canciones sólidas, directas y bien trabajadas, donde el sonido se mueve con naturalidad entre melodías pegadizas, pasajes más íntimos y momentos de mayor intensidad vocal. Desde Mala Postura, tema homónimo que abre el EP, hasta Quemarte en vida, el disco fluye con personalidad y coherencia, sin rellenos ni excesos.

Las influencias del emo, el pop-punk y el rock alternativo están presentes, pero nunca se sienten forzadas. Al contrario, la banda logra resignificarlas y darles un sello propio, apostando por un sonido melódico, emocional y versátil, alternando voces cantadas y gritadas con soltura. Las letras, de carácter confesional, hablan de vivencias reales y sentimientos reconocibles, lo que genera una conexión inmediata con una audiencia joven que se ve reflejada en lo que la banda canta.

Mala Postura no solo canta lo que siente, sino que lo transmite con sinceridad. Esa honestidad es, probablemente, uno de los mayores aciertos de MP. Es un trabajo que se siente auténtico, sin poses ni artificios, y que encuentra su complemento perfecto en las presentaciones en vivo, donde la banda despliega una energía intensa y deja en claro su potencial sobre el escenario.

En definitiva, MP es un debut sólido, potente y emocional, que sorprende por su madurez y nivel musical. Un EP que resignifica las siglas “MP” dentro de la escena local y posiciona a Mala Postura como una banda prometedora del emo-pop chileno. Quedamos atentos a lo que venga, porque si este es el punto de partida, el próximo paso promete ser aún más grande.