CIENFUEGOS

COMO TRAGEDIA Y COMO FARSA EP (2025) 

 

 

     A comienzos del año que ya se va, marzo para ser más precisos, Cienfuegos liberó Como tragedia y como farsa, EP de tres canciones que se hunde sin miedo en la angustia, en los fantasmas internos y en ese ruido constante que no siempre se nombra, pero que se siente.

El título no es casual ni decorativo. Proviene de una frase de Karl Marx, extraída de El 18 Brumario de Luis Bonaparte (1852), donde se lee:

“Hegel dice en alguna parte que todos los grandes hechos y personajes de la historia universal aparecen, como si dijéramos, dos veces. Pero se olvidó de agregar: la primera vez como tragedia y la segunda vez como farsa”.

Una idea que atraviesa el EP como una grieta abierta: la repetición histórica, el fracaso humano y la caricatura del horror cuando se normaliza.

El viaje arranca con “Urutaú”, una descarga frontal, una explosión de rabia contenida que emerge desde una lírica empapada de sufrimiento. Es violencia emocional pura: golpea, se repliega, respira y vuelve a levantarse con más fuerza. No hay concesiones, solo catarsis.

El EP se vuelve más introspectivo con “Repetir al vacío”, una composición instrumental que funciona como un paréntesis necesario. Un espacio suspendido, casi ritual, que invita a mirar hacia adentro mientras el ruido externo se apaga por un momento. Un respiro denso, cargado de eco y tensión.

El cierre llega con “Barbarie”, y no podría ser de otra forma: un grito desesperado, un alarido iracundo que clama contra el vacío del alma humana y el manto de indiferencia que protege al culpable. Aquí el enemigo tiene nombre y rostro: el fascismo, encarnado como síntoma y consecuencia de una sociedad anestesiada.

Como tragedia y como farsa es un registro honesto, incómodo y necesario, de esos que no se escuchan de fondo, sino con el cuerpo entero. Un EP breve, pero cargado de sentido, que confirma que en el under aún hay ruido, memoria y resistencia.

 

 

BASURAL    

ENTREVISTA

 

   

 

Por Gonzalo Vilo

¿En qué están trabajando actualmente como banda? ¿Cómo describirían el momento creativo y musical que están viviendo en este presente?

    Hola Gonzalo, siempre es un gusto poder compartir contigo. Actualmente nos encontramos  en un largo proceso de volver a encajar nuestros tiempos para hacer música y llevar a cabo  el proyecto. Por parte de Javier está full de chamba y yo entre que termino mis estudios y  trabajo. La verdad es que ha sido un poco más complicado reunirnos a crear música, pero  no hemos dejado de reunirnos a charlar y compartir y tocar en tocatas que nos invitan otras  bandas locales. Tenemos preparado desde hace tiempo alrededor de 8 canciones "nuevas",  que en realidad son canciones que no quedaron en el primer álbum y queremos  grabar...pero nos encontramos que grabar está demasiado caro y es una inversión que  probablemente no se recupere -porque es underground-.
 

Los últimos tiempos artísticamente han sido de absorción musical. Cada uno en su afán de  amar la música ha ido explorando sonidos y alternativas, por ende los resultados que se  esperan son muy diferentes al anterior disco. 

En resumen, tenemos todas las ganas pero no el tiempo.

 

 

Tienen varias fechas en camino —¿cuáles son sus próximas presentaciones confirmadas y qué pueden adelantarle al público sobre lo que están preparando para esos shows?


Nuestra próxima fecha importante es el 03 de enero en el 12 lunas, en La Serena abriendo para la gloriosa banda nacional Yajaira. Es como un sueño, ya que somos muy fan de ellos desde hace años y los hemos ido a ver juntos varias veces. La próxima fecha sería en febrero, pero aún están por confirmar. Lo único que sé es que será una fecha memorable ya que se reunieron varias bandas Stoner del norte y centro del país.

 

 

   

 

Mirando hacia atrás, ¿cuáles fueron sus últimas presentaciones y qué conciertos recientes sienten que marcaron un antes y un después para Basural?

 

 

Conciertos recientes que nos marcaron? mmm la mayoría de las tocatas han sido en la zona, salvo un par en Ovalle hace unos meses atrás con los amigos motoqueros de Diaguitas MC que siempre nos invitan a sus aniversarios. Pero sin duda alguna una fecha que nos hizo super bien fué el "Escandaloso" que hicieron en el centro de La Serena. Estuvo brutal, mucho público joven y con energías y ganas de pasarlo bien. Esa noche tanto el audio como el espacio, la luz, la producción, las regalías y todo estuvo excelente. Recuerdo que compartimos escenario con varias bandas de Chile, en especial una llamada
Narcoticos. Los amigos de síndrome de polinización nos entrevistaron ese dia también.

 

 

 

Entre todas sus tocatas del último tiempo, ¿hay alguna que recuerdan con especial cariño o que haya tenido un impacto fuerte en la banda, ya sea por la energía, el público o la experiencia en general?

 

 

Como mencioné en la pregunta anterior, el escandaloso estuvo hermoso. Pero hay fechas  que nos quedaron marcadas en la piel...las dos veces que hemos sido invitados a tocar al  centro cultural Palace, las fechas en valparaíso, Quilpué, santiago y Buin que estuvieronhermosas, por los amigos y lo vivido. Sin duda la vez que fuimos a tocar a Arica y  rematamos en Calama...un viaje inolvidable que nos afiató como hermanos con Javier. Una  vez que fuimos a tocar a Illapel con muchas bandas metaleras que además de compartirse  integrantes y ser excelentes, nos invitaron a disfrutar de la zona post tocata. Una vez  tocamos en Huasco y fué algo extraño, pero nos enseñó muchísimo que es lo que  queremos como banda y la actitud que se debe mantener en el escenario frente a -sea cual  sea- el público asistente.
 

También el año pasado tuvimos la oportunidad de tocar en la Pampilla, literalmente nuestro  patio trasero, y eso si que fué notable.

 

 

   

 

Respecto al estudio, ¿están pensando en grabar un nuevo disco? ¿Ya tienen una idea del sonido o concepto que les gustaría explorar en ese próximo trabajo?

 

 

Tenemos como mencione antes 8 canciones "listas" además de varias ideas sin terminar. Tenemos una idea conceptual del siguiente disco, donde queremos incluir más sonidos y ritmos más calmos. En el primer disco son casi puros gritos y las canciones que han ido saliendo ahora son un poco más líricas y suaves. Tenemos pensado que el disco se llame "Cementerio pal pito 2", aludiendo al mítico VHS lanzado por Dinamita Show en los 90. Tu te preguntarás por qué el nombre, y es básicamente una analogía entre luto y humor, recuerdos lindos, consumo de hierba y la muerte.

El año pasado tuvimos la suerte de compartir con Gastón de Bombtrack en Santiago y él nos reveló varios consejos de donde grabar y un par de contactos sugerentes. No está nada hablado aún pero es un excelente inicio.

 

 

 

En términos más amplios, ¿hacia dónde sienten que se dirige Basural en el futuro? ¿Qué objetivos o transformaciones imaginan para los próximos años, tanto a nivel musical como de proyecto?

 

 

Si bien Basural es el desquite personal que tenemos frente a la vida adulta, creo que el sonido de la banda se ha ido adaptando a nuestras vivencias. Hay ideas con guitarra, pero sin guitarrista. Hay canciones que queremos grabar en acústico y al menos dos canciones covers a bandas nacionales como The Jibias y Chacay. No descartamos incluir a personas en nuestro equipo, como alguien que haga mapping, algún músico que haga arreglos de teclado o guitarra o algún roadie que nos arme el set. 

Basural no tiene un camino fijo definido, vamos viendo que se puede hacer y si está a nuestro alcance apuntamos hacia allá. Han sido 10 años de esto, a este ritmo. Quizá no es el mejor ritmo para llevar a cabo un proyecto artístico pero esto es rocanrol y podemos hacer lo que se nos antoje. Quien sabe si en un tiempo estaremos tocando en México o en Argentina, o Europa o en Los Vilos. Mientras la invitación sea buena y haya bueno para fumar ahí, nosotros vamos.

 

 

  

 El 3 de enero se presentarán en el Bar Doce Lunas junto a Yajaira —¿qué expectativas tienen para ese show y qué significa para ustedes compartir escenario con una banda tan influyente dentro de la escena stoner chilena?

 

Estamos muy demasiado contentos, desde que nos avisaron de la fecha hasta ahora ha sido puro soñar. Abrir para una banda que se ha ganado los porotos a pulso en este país y que ya tengan 30 años de trayectoria no es algo menor...literalmente ellos abrieron para Metallica en el estadio nacional y para Black Sabbath. Creo que ninguna otra banda en Chile tiene tal mérito (que yo sepa). Nos falta abrir algun dia para los Jaivas y quedaría todo hecho jajaja 

Hace unas semanas nos reunimos a preparar el show, que es un pequeño pupurri de canciones, entre clásicas y nuevas para mostrarle al público presente ese día. También estoy trabajando en una edición en físico de nuestro primer álbum, el cual nunca lanzamos en ningún formato más que el digital.

Basural tiene muchas cosas pendientes aun. Cabe destacar que con Javier no nos vimos durante toda la pandemia... Fueron casi 4 años sin compartir nada, ni un pucho, salvo por las partidas online y las larguísimas llamadas por teléfono.

 

 

 

 AJENJOTT

REBELDIA  Y  POESIA  EN CADA TRAZO

 

 

    En un mundo donde el arte se consume rápido, *ajenjott* emerge como una voz disruptiva que fusiona lo underground con la sensibilidad punk. Sus serigrafías y dibujos, compartidos en su Instagram, son un grito de resistencia contra la monotonía y la opresión. Con un estilo que mezcla lo crudo y lo poético, Ajenjott nos invita a cuestionar, a sentir y a rebelarnos.

 

 Sus obras, como el cartel que dice “Colaboración No Comprenderá”, rezuman un activismo visceral. No es solo arte; es un llamado a la acción, un recordatorio de que la lucha por la justicia y la autenticidad es un camino colectivo. El uso de colores intensos y letras desafiantes convierte cada pieza en un manifiesto contra el sistema, invitando a romper barreras y etiquetas.

 

 

En sus collages, como el que acompaña al poema “Demonio a caballo” de Pablo de Rokha, Ajenjott explora la oscuridad y la resiliencia. Sus imágenes en blanco y negro con toques rojos evocan un caos controlado, un equilibrio entre el dolor y la esperanza. Es un arte que no se detiene en la estética, sino que busca conectar con lo visceral, con lo que nos hace sentir vivos.

 

 

 Ajenjott no solo crea arte; crea espacios de introspección y resistencia. Sus mensajes, como “Ámate a ti mismo” o “Queer Punks Existen”, son recordatorios de que la identidad y la autoaceptación son actos revolucionarios. En un mundo que a menudo intenta silenciarnos, Ajenjott nos enseña que el arte es un arma poderosa, y que la rebeldía puede ser hermosa.

 

 

 

Pueden encontrar del trabajo de la artista en su cuenta de instagram

 https://www.instagram.com/ajenjott/  

 

CELESTIAL   FAMILY (2025)

SPECIAL   CASES 
 

 

 UN CASO ESPECIAL

Por Desastre Alterno 

 

         Celestial famly, lanzado el año 2025, es el último disco de la banda chilena Special Cases. Está integrada por Juan Pablo Rodríguez, Mauricio Rodríguez, Martín Avendaño y Cristián Elizalde. Se caracterizan por un sonido post punk y cantar tanto en español como en inglés.

La primera canción Unknown truth, nos sumerge en una atmósfera shoegaze, envolvente. Bataleon es heredera del sonido de los años 80 y es una invitación a deslizarse sin temor a bailar. Porque si no dan ganas de bailar con este tema, ¿qué está pasando? En Do you care? el sonido posee un sonido rockero enigmático. ¿Importa el estilo? Pues no, solo dejémonos llevar. Sol Invictus II continúa con la esencia de la anterior canción, pero más reposada. A ratos pareciera que Álvaro Henríquez se fusionó con Maynard de Tool. Temazo. La armonía de Carta a Matías, con esa textura que recuerda a My Bloody Valentine, es la misiva que cualquiera quisiera recibir en un día de total soledad.

Venus ramp, con ese comienzo que recuerda a Historia Triste de Eskorbuto, tiene ese tono existencial de quien se para ante la vida y le grita un par de cosas. Suma tiene la particularidad de contar con los arreglos de Gal Go y es un tema reposado con sonidos de saxofón incluidos. La habitación de los espejos es un tema mix que tiene una interesante raíz post rock. Tres temas mix, ya escuchados con anterioridad en este mismo disco, cierran el trabajo: Do you care?, Carta a Matías y Venus ramp.

Celestial famly es una obra excelente hecha a base de un tremendo conjunto de canciones hipnóticas. Con melodías pegadizas y siempre abrazadas a una atmósfera de misterio y muy sugerente, que evoca un sueño, un viaje a un sitio recóndito del espacio o a ese recuerdo que nos provoca la nostalgia más inmensa. Es pues, ni más ni menos, que una obra para deleitarse y disfrutarla una y otra vez.

 

 

 

                                   

 SEASON FINALE

THE  HOLYDRUG  COUPLE  (SINGLE 2025)

 

 

    

 

     The Holydrug Couple vuelve con un single que no busca deslumbrar desde la grandilocuencia, sino afirmar un pulso. En poco más de tres minutos,  Ives Sepúlveda  apuesta por una psicodelia más rítmica que expansiva, donde el trance se construye desde la insistencia antes que desde el viaje largo. El tema avanza firme, con un cuerpo compacto, consciente de su duración y de su efecto inmediato. 

 

En términos sonoros, el single se presenta más apretado y directo que buena parte de su catálogo previo. La mezcla privilegia la presión y el groove por sobre la respiración de las capas, lo que lo acerca a una lógica más urbana y nocturna. Esta decisión no se siente accidental, sino parte de una búsqueda que ya venía asomándose en trabajos anteriores, donde la psicodelia dejaba de mirar al cielo para anclarse al suelo, al movimiento más que al viaje interior. 

 

Comparado con discos como Moonlust, acá hay menos deriva y más control. La banda parece haber dejado atrás la necesidad de expandir cada idea hasta el límite, optando por un formato canción que funciona desde el primer minuto y no se dispersa. El trance sigue ahí —marca registrada del proyecto—, pero ahora aparece, calibrado, cercano a una psicodelia moderna que dialoga con el kraut, el pop hipnótico y cierta electrónica de baja intensidad. 

 

Este nuevo single no redefine a The Holydrug Couple, pero sí confirma una etapa: la de una banda que conoce bien sus herramientas y decide usarlas con precisión. Es un tema que se agradece, y que suma como una pieza sólida dentro de una discografía que, sin necesidad de reinventarse, sigue encontrando pequeñas variaciones en su propio lenguaje.

 

 

DE QUE HABLAMOS CUANDO HABLAMOS DE APOCALIPSIS

SEGUNDA EDICION (2025)  

 

 

 

      Acaba de salir la segunda edición de De qué hablamos cuando hablamos de apocalipsis. Los Perros Románticos vuelven a poner en circulación este libro de Emilio Ramón justo cuando el clima cultural parece hecho a su medida: cansancio, ironía, ciudades saturadas y una sensación permanente de colapso inminente. No es una reedición nostálgica, es una reaparición necesaria. El libro vuelve porque nunca terminó de irse.

El volumen reúne cuentos escritos en distintos momentos, pero leídos hoy funcionan como un solo pulso narrativo: el de la vida cotidiana empujada hasta el borde. Ramón escribe desde lo común —el trabajo, la caminata, la música, la pareja, el hastío— y desde ahí deja que lo extraño se filtre sin pedir permiso. Lo apocalíptico no llega con trompetas ni catástrofes épicas, aparece en gestos mínimos que se deforman, en una realidad que se resquebraja mientras seguimos funcionando como si nada.

Los personajes de estos relatos no adornan sus pensamientos ni buscan redención. Hablan directo, a veces con crueldad, a veces con humor negro, siempre desde una lucidez incómoda. Relaciones tóxicas, egos hipertrofiados, pulsiones violentas y transformaciones absurdas conviven con descripciones precisas de una vida común y corriente. El contraste es clave: lo grotesco se vuelve el punto de equilibrio entre lo trágico y lo cómico, lo bello y lo repulsivo, sin que el texto intente cerrar esas tensiones.

La segunda edición vuelve a destacar uno de los grandes aciertos del libro: su juego con el metarrelato y la verosimilitud. Desde la aparición del propio autor dentro de un cuento hasta el apartado final Lo que no se vio, con fotografías en blanco y negro que “confirman” los hechos narrados, la obra insiste en borrar los límites entre ficción y realidad. El lector no solo lee los cuentos: entra a un universo que se esfuerza por probar que aquello imposible pudo haber ocurrido.

Leer hoy De qué hablamos cuando hablamos de apocalipsis es enfrentarse a una idea incómoda: que el fin del mundo no es un evento futuro, sino una experiencia diaria. La narrativa de Emilio Ramón —punk, directa, cargada de cultura pop y reflexión existencial— no habla de dragones ni de plagas bíblicas, sino del derrumbe silencioso de lo cotidiano. Esta segunda edición recién salida no celebra el apocalipsis: lo reconoce, lo habita y lo convierte en literatura.

 

 ASUNCIÓN

LEVITACIONES

 

 

    Después de cuatro años de silencio discográfico, Asunción vuelve a manifestarse con Levitaciones, un trabajo breve pero sustancioso que reafirma la sensibilidad de Cristian Sánchez dentro del circuito experimental local. Compuesto por cinco piezas instrumentales, el disco aparece sin estridencias ni urgencias, como si hubiese estado esperando el momento justo para emerger. Más que un regreso, Levitaciones se siente como una continuación natural de un lenguaje que privilegia la paciencia, la textura y la escucha atenta.

El álbum se mueve con soltura entre el ambient y el drone, apoyado en sintetizadores, baterías electrónicas y grabaciones de campo que construyen un paisaje sonoro introspectivo, casi suspendido en el tiempo. Hay aquí un trabajo minucioso con las capas y los silencios, donde cada sonido parece ocupar un lugar preciso sin sobrecargar el conjunto. El enfoque DIY y la estética lo-fi no operan como carencias, sino como una decisión coherente con el espíritu del proyecto, reforzando su carácter íntimo y artesanal.

En medio de estas atmósferas aparecen matices que expanden el horizonte del disco sin romper su unidad. El signo de los cisnes introduce un leve tinte shoegaze, potenciado por la colaboración en guitarras, mientras que El vuelo y la vertiente insinúa un pulso cercano al trip hop, siempre integrado de manera orgánica al flujo general. Son desvíos sutiles, más sugeridos que declarados, que enriquecen el recorrido sin convertirlo en un ejercicio de estilo.

El cierre llega con Adiós a la tierra fría, una pieza extensa y de aire casi litúrgico que funciona como rito de despedida y síntesis del viaje. Ahí, Levitaciones termina de afirmarse como un disco contemplativo, pensado para ser escuchado completo y sin interrupciones. En un panorama donde la inmediatez suele imponerse, Asunción propone otra velocidad: la de la deriva, la repetición y la escucha profunda, confirmando a Cristian Sánchez como una voz consistente dentro del under experimental chileno.

 

 

VIOLETA   JIRACHI

 

 

      

 

        En el mundo de las pantallas y las reproducciones infinitas, Violeta Jirachi pinta como quien susurra secretos que solo algunos alcanzan a escuchar. Sus acuarelas no buscan la espectacularidad ni la aprobación inmediata; más bien se detienen en los gestos mínimos, en los trazos que tiemblan y se mezclan con la transparencia del papel. Es un trabajo que exige mirar de cerca, detenerse y dejarse llevar por la cadencia íntima de cada color y línea.

 

    

 

El desarrollo de su técnica “alla prima” en la acuarela marca el pulso de su obra. Cada pincelada es un acto de decisión inmediata: no hay correcciones ni revisiones prolongadas, solo un flujo constante que evidencia la espontaneidad y la vulnerabilidad de la creadora. Esa urgencia, esa frescura, convierte cada pieza en un registro honesto de emociones en movimiento.

 

    

 

Las figuras femeninas, los motivos naturales y los pequeños guiños surrealistas componen un imaginario delicado y a la vez inquietante. Sus paletas, crean atmósferas que parecen suspendidas entre lo tangible y lo onírico. Hay en su trabajo una tensión entre la fragilidad de lo cotidiano y la fuerza poética que emerge de lo aparentemente simple, como si cada obra fuese un instante capturado que no quiere repetirse.

 

    

 

En un panorama artístico que muchas veces premia la grandilocuencia, Jirachi reivindica la intimidad y la sutileza como formas de resistencia. Sus acuarelas se infiltran sin alardes, pero dejan una marca persistente: una invitación a redescubrir la quietud, la sensibilidad y la belleza en los detalles más pequeños. Su obra recuerda que, a veces, lo más radical es detenerse y mirar de verdad.

 

    

 

 

CALICATA DEL MAÑANA

  

VERÓNICA ARÉVALO GUTIERREZ (EDITORIAL TRAZOS DE AVES 2025)

    Hay libros que no se leen: se hurgan, como si fueran tierras removidas en busca de una raíz que aún respira. Calicata del mañana, publicado por Trazos de Aves en este 2025, es justamente eso: una excavación en la carne futura del planeta, una exploración que deja las manos manchadas de polvo distópico. Verónica Arévalo Gutiérrez no imagina un porvenir lejano, sino un eco ampliado del presente: ciudades-fortaleza expulsando cuerpos inútiles al desierto, sociedades hambrientas de agua y afecto, un mundo partido en dos como una geoda triste. Lo inquietante no es la devastación, sino reconocer en ella el mismo latido torcido que arrastramos hoy.

En el futuro, nuestro planeta no será el mismo. Nuestra falta de conciencia y nuestra codicia habrán pasado factura. La humanidad enfrentará la escasez hídrica y la falta de alimentos adecuados. Las ciudades se transformarán en fortalezas ultramodernas que expulsarán a quienes no logren adaptarse, a quienes ya no sean considerados necesarios. Surgirá un mundo dividido entre poderosos y despojados, entre afortunados y olvidados, avanzando con paso implacable a través de desiertos y campos devastados… aunque, pensándolo bien, quizá no sea un escenario tan nuevo.

Cada uno de los cuentos que conforman esta colección nos habla desde un futuro distópico que intenta recomponer lo que queda tras sobrevivir a los errores del pasado. Son voces femeninas las que narran estas historias, mujeres que se erigen como protagonistas de sus propias luchas, sus pérdidas y sus resistencias. A través de ellas, este libro nos invita a reflexionar sobre lo que podríamos llegar a ser… y sobre lo que aún estamos a tiempo de evitar.

La autora arma su distopía con piezas de ciencia ficción tan nítidas como crudas: viajes espaciales que no prometen salvación, seres cibernéticos cuya humanidad estalla en zonas imprevistas, encuentros con lo desconocido que funcionan como espejos deformantes de nuestra propia fragilidad. La frontera entre lo real y lo extraordinario se vuelve un glitch, una interferencia que abre paso a lo especulativo sin perder nunca el pulso humano. La prosa es accesible, sí, pero nunca complaciente; invita tanto al lector experimentado como a quien se aventura por primera vez en las geografías inciertas del género.

Quizás la fuerza del libro radica en la vida misma de su autora. Verónica Arévalo Gutiérrez —historiadora, trabajadora de la educación formal y popular, caminante de los territorios rurales del norte chileno— escribe desde un cruce donde lo íntimo y lo comunitario son la misma respiración. Su recorrido por la investigación, la gestión comunitaria y la creación narrativa se siente en cada cuento: hay memoria social, hay polvo real, hay cuerpos que conocen el peso de habitar un lugar en conflicto. Calicata del mañana es la prueba de que la ciencia ficción latinoamericana, cuando nace desde la tierra y no desde el laboratorio, puede ser sagrada, brutal y luminosa a la vez. Una advertencia y un abrazo. Un mañana que duele… pero aún late.

 THE  HOLYDRUG  COUPLE

MOONLUST  VINILO  ANIVERSARIO  10  AÑOS

 

 

    A diez años de su aparición, Moonlust sigue brillando como una rareza necesaria dentro del mapa psicodélico latinoamericano. Cuando The Holydrug Couple lo lanzó en 2015 bajo el alero de Sacred Bones, el dúo ya tenía una firma sonora inconfundible, pero aquí dieron un salto que pocos vieron venir: un viraje hacia un dream-pop etéreo, sintetizadores que se derriten como espejismos y una melancolía futurista que le abrió espacio a la introspección sin perder el pulso romántico del pop. Hoy, con reedición en vinilo edición especial —envuelta en arte holográfico arcoíris—, es evidente que Moonlust no solo resistió el paso del tiempo: se convirtió en referencia.

Lo que al principio parecía un giro estilístico terminó marcando un punto de inflexión para la banda. Ives Sepúlveda, arquitecto del sonido Holydrug, le dio al disco una producción cristalina y pesada a la vez, alejándose de cualquier rastro demasiado orgánico para abrazar un terreno más electrónico y atmosférico. Las influencias flotan sin pudor: el toque francés a lo Gainsbourg y Air, la sensualidad soul heredada de Aretha Franklin y, por debajo, la inevitable pulsión latinoamericana donde aparecen sombras de Los Prisioneros, Virus y Los Encargados. Pero nada de eso se impone; más bien, funciona como materia prima para un álbum que se sostiene como un bloque, coherente y ensoñado, en el que la lujuria por lo inalcanzable —esa diosa lejana, ese deseo imposible— se convierte en eje temático.

Canciones como “If I Could Find You (Eternity)” y “Atlantic Postcard” siguen siendo perfectas puertas de entrada al viaje: voces distantes como si vinieran desde una estación espacial abandonada, arpegios ambientales que vibran entre la calma y el vértigo, y un halo psicotrópico que pareciera suspender el tiempo. Lo mismo ocurre con “Light or Night”, “Baby, I’m Going Away” y “Generique Noir”, piezas que confirman que aquí no hay relleno; cada track aporta al paisaje hipnótico general. Lejos de los barroquismos, Moonlust prefiere la síntesis y la precisión para construir un imaginario nocturno, elegante y profundamente emocional.

La celebración de su décimo aniversario no podía ser menor: The Holydrug Couple vuelve a Centro Arte Alameda con formación completa este 8 de octubre, marcando además su retorno después de cerrar ahí la gira de Bolero Tampoco (2024). El concierto llega tras un recorrido por México celebrando el cumpleaños del disco, y promete dar nueva vida a un repertorio que hoy influye a escenas psicodélicas de toda la región. Para una banda pionera del rock psicodélico chileno, este aniversario no es solo un hito: es la confirmación de que Moonlust es uno de esos discos que siguen creciendo, incluso cuando ya lo creíamos completamente decodificado.

 

 

 

CAÍDA LIBRE

LOS EX

   

 

    En los noventa, cuando la escena chilena hervía entre fanzines fotocopiados, tocatas en galpones húmedos y la eterna promesa de un “nuevo rock nacional”, Caída Libre irrumpió como un meteorito incómodo. El debut de Los Ex —ese cuarteto insolente comandado por la voz afilada y visceral de Colombina Parra— había pateado la puerta con un grunge-punk de barrio que no le debía nada a Seattle, porque sudaba Santiago por todos lados. El disco se escuchó como un vómito emocional sin filtros: directo, ruidoso, desprolijo y necesario. Y sí, tenía esa energía adolescente y peligrosa que hacía que uno quisiera prender un cigarro incluso sin fumar.

Cada track de Caída Libre era un golpe de puño, o una carcajada amarga, o un balazo de ironía. “La Corbata de mi Tío”, “Sacar la Basura” y “Vendo Diario” se convirtieron en himnos porque traducían, con rabia las tensiones sociales y afectivas de una generación que se estaba sacudiendo el machismo, la desidia política y las relaciones tóxicas como quien se sacude el polvo del pantalón. La guitarra de Edwards cortaba como vidrio, la base rítmica de Ugarte y Bascuñán sostenía todo con un pulso maquinal y callejero, y la voz quebrada de Colombina era un recordatorio de que el dolor también podía sonar hermoso, si era honesto.

Pero lo más brutal fue el impacto: Caída Libre terminó colándose en MTV, cruzando fronteras sin pedir visa, y transformando a Los Ex en una rareza querible dentro del circuito latinoamericano. Mientras en Perú se los celebraba casi con devoción y en Chile se convertían en banda de culto en tiempo récord, acá en el under sabíamos que lo suyo no era moda: era actitud. Ese cassette sobrevivió mochilas rotas, micro amarilla, recitales sudorosos y corazones quemados. Y aunque la banda se desarmara, se rearmara y volviera a desaparecer, el disco nunca se fue. Se quedó pegado en la memoria colectiva como solo lo hacen los trabajos que nacen desde el desgarro real.

Hoy, a casi treinta años de su aparición, Caída Libre sigue oliendo a pasquín callejero, a rabia femenina, a noche larga en plaza de barrio y a distorsión que no envejeció un día. Si el rock chileno tuvo un disco que no buscó caer bien, sino caer de golpe, fue este. Un debut que no vino a preguntar nada, solo a gritarlo todo. Y qué bueno que fue así: ningún pulido estudio ni ninguna estrategia de mercado habría podido darle más filo del que ya traía. Los Ex habían dejado un registro feroz, imperfecto y explosivo que todavía mordía los oídos. Y eso, en cualquier época, sigue siendo rock.